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Wie kamen Halskrausen in Mode und kamen dann aus der Mode?

Wie kamen Halskrausen in Mode und kamen dann aus der Mode?


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Halskrausen sind die flauschigen weißen, geschlungenen Dinger, die sich um den Hals einer Person legen und den Kopf einer Person normalerweise wie eine Löwenmähne aussehen lassen. Wie kamen Halskrausen in Mode und kamen dann aus der Mode?


Es ist schwer zu sagen warum Mode ändert sich, aber Halskrause war ursprünglich eine französische Mode, die sich in den verschiedenen Ländern Europas verbreitete.

Sie haben möglicherweise Anfang des 16. Jahrhunderts als kleine Kordelzugkragen auf dem Hemd angefangen schützt die Oberkörperbekleidung vor Verschmutzung.

Porträtgemälde aus dieser Zeit geben ein gutes Beispiel für die sich entwickelnde Mode, von kleinen Halsbändern Mitte des 16. Jahrhunderts bis hin zu riesigen Apparaten um das Jahr 1600. Offensichtlich konnten sich nur die sehr Reichen aufwendige Halskrausen aus teuren Materialien leisten.

In Spanien, den Niederlanden und den unter spanischer Kontrolle stehenden Teilen Italiens blieben Ruffs am längsten in Mode. In den 1630er Jahren waren sie geächtet unter vielen anderen Luxusartikeln von Gaspar de Guzmán, der De-facto-Herrscher von Spanien 1622-1640, während der Regierungszeit von Philipp IV.

Nahaufnahme einer holländischen Halskrause von 1615/35


Das Folgende ist nur eine Spekulation; Ich habe nichts, womit ich zusammenarbeiten könnte.

Bitte werfen Sie zunächst einen Blick auf diese Frage zu Perücken. Es führt die Mode des Tragens von Perücken und des Puderns des Gesichts, die im 16.

Beachten Sie jetzt, dass die Halskrausen ungefähr zur gleichen Zeit oder etwas früher erschienen und als relativ bescheidene Kragen begannen, die den Hals bedeckten. Ist es möglich, dass ihre Funktion analog zu der von Perücken und gepudertem Gesicht war? Da die Perücken die Zeichen des 2. Stadiums der Syphilis auf dem Kopf verdecken und die Macht den Ausschlag im Gesicht bedeckt, bedeckt die Halskrause das Zeichen am Hals. Nur den Hals zu pudern wäre weniger effektiv als das Pudern des Gesichts, da die Bewegungen des flexiblen Halses den Puder teilweise entfernen würden.

Das bedeutet nicht, dass der Träger der Halskrause unbedingt an Syphilis litt: Halskrausen sowie Perücken und Puder wurden schnell zur gesellschaftlichen Mode, die denjenigen, der sie zum Vertuschen brauchte, untermischen ließ.

Diese Erklärung ist natürlich nur eine Spekulation und hat ein paar klaffende Löcher, wie zum Beispiel zahlreiche Porträts mit Perücken, aber ohne Halskrause und umgekehrt.


10 der schlimmsten Womanizer der Geschichte

Obwohl er mit einer der schönsten Frauen der Welt verheiratet war, konnte JFK nie treu bleiben. Tägliche Post.

Heutzutage würde ein Präsident, der mit einem Hollywood-Superstar hinter dem Rücken seiner schönen Frau schläft, weltweit Schlagzeilen machen. Aber amerikanisch unter Präsident Kennedy war eine andere Welt. Der junge, gutaussehende Oberbefehlshaber würde unzählige Affären genießen, einschließlich außerehelicher Affären direkt im Weißen Haus, ohne einen Hauch von Skandal. JFK war geschickt darin, ein populäres Image eines Familienvaters zu pflegen, und war gleichzeitig einer der größten Frauenhelden seiner Generation.

Wie so oft blicken Biographen auf JFKs prägende Jahre, wenn sie versuchen, seinen unersättlichen &ndash oft selbstzerstörerischen &ndash Sexualtrieb zu erklären. Als junger Mann erlitt John mehrere Traumata, nicht zuletzt musste er selbst mit einer schweren Krankheit und dann mit dem Tod zweier seiner Geschwister fertig werden. Aber es ist wohl das Verhalten seines Vaters, das die Beziehung des zukünftigen Präsidenten zu Frauen am meisten beeinflusst hat. Joe Senior war ein Serientäter, dessen untreues Verhalten für seine eigene Frau und seine Kinder nur allzu offensichtlich war.

Als JFK 1952 die schöne Jaqueline &ldquoJackie&rdquo Bouvier heiratete, war es unvermeidlich, dass er sich bald verirrte. Und er verirrte sich. Tatsächlich glaubte der aufstrebende Politiker einigen Berichten zufolge, dass nur gelegentlicher Sex mit einer Kette von Liebhabern ihm helfen könnte, seine Migräne zu heilen. Wie jede gute Politikerin der damaligen Zeit sah Jackie einfach weg und akzeptierte, dass ihr Mann Liebhaber auf die Seite nahm, darunter Prominente wie Marilyn Monroe und Marlene Dietrich. Er bettete auch viele andere Schauspielerinnen, Prominente und, einmal im Weißen Haus, auch Sekretäre und Praktikanten.

Das volle Ausmaß von JFKs Frauenbildung kam erst nach seinem tragischen Tod im Jahr 1963 ans Licht. Darüber hinaus behaupten einige, dass seine unersättliche Lust zu seinem Tod beigetragen hat, wenn auch indirekt. Der Secret Service war so müde geworden, Geliebte in das Schlafzimmer des Präsidenten ein- und auszuschleusen, dass sie an diesem schicksalhaften Tag in Dallas auf dem Seitenschutz seines Autos mitfuhren. Obwohl er seine Verbindungen zu Lebzeiten unter Verschluss gehalten hat, wird JFK heutzutage weithin als ein fehlerhafter Mann angesehen und wird sowohl für sein Privatleben als auch für seine politische Karriere in Erinnerung behalten.


Markengeschichte: Jean Patou

Der Gründer des berühmten Modehauses kreierte die teuersten Parfums der 1920er und 30er Jahre – „Joy“, da in einer Flasche dreihundert Rosen duften und zehntausend Jasminblüten konzentriert sind. Sogar die einfachsten Dinge wurden vom Designer zumindest in die Kunstwerke verwandelt, seine berühmten Pullover ähnlich den Bildern von Kubisten kosten viel!Foto blogspot.com

Mode, Krieg, Paris

Das Leben eines Designers war nicht immer dem Urlaub ähnlich. Der aus der reichen Familie stammende Mann wollte den Geschäften seiner Eltern, insbesondere Ledereinbänden für das Buch, nicht nachgehen und zog es vor, Geselle in der Pelzwerkstatt seiner Verwandten zu werden. Während eines fünfjährigen Studiums der Feinheiten der Schneiderei gründete Jean Patou sein eigenes Geschäft, da es 1912 in einem der Pariser Bezirke ein kleines Atelier mit dem prätentiösen Namen "Maison Parry" gab, in dem die pelzigen Kunsthandwerke und Kleider verkauft werden. Eineinhalb Jahre wird für die Promotion aufgewendet, bevor das Modehaus den ersten Großauftrag entgegennimmt. Es scheint, dass Jean Patou damals in Schwung kam, und nichts konnte die weitere Entwicklung, die Suche nach Kunden und die Kreation interessanter Kleidungslinien stören. Der Krieg begann jedoch.

Jean Patou nahm den Ersten Weltkrieg schmerzlich wahr und konnte das menschliche Leid von außen nicht beobachten. In den ersten Monaten der Welttragödie entschloss er sich, als Freiwilliger an die Front zu gehen und überwand die militärischen Schwierigkeiten als Hauptmann der französischen Armee. Jean Patou lebte den Terror und das Grauen aus und kehrte nach Hause zurück, wo er auf die angenehme Überraschung wartete. In seiner Abwesenheit wurde das Modehaus von seiner Schwester Madlen und ihrem Mann Raymon Barbas übernommen, weshalb Jean Patou nach seiner Rückkehr das Geschäft nicht von Null anfangen musste. Stattdessen konnte er neue Ideen fördern. Als sie ausreichten, um alle in der Modewelt über den Gründer „Maison Parry“ zu sprechen, wurde das Modehaus 1919 in den Salon von Jean Patou umbenannt, der sich in der Pariser Saint-Florentin-Straße befand.

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Der Mut zum Chic, der Charme der Frechheit

1920er Jahre. Frauen werden in der Luxuskollektion des Mannes nicht als Ergänzung betrachtet, die Gesellschaft spricht immer häufiger von der Beständigkeit und Leistung der Frauen. Im Wettbewerb mit Chanel, die die modische Nische der Eleganz einnahm, lancierte Jean Patou das Sortiment an femininer Sportbekleidung sowie hausgemachten praktischen Cardigans und gestrickten Badeanzügen. Seine Ideen wirken wie ein Hauch frischer Luft, denn die Kunst der Kubisten erinnert den Designer daran, dass der heute für Frauen typische entschlossene Siegeswille hervorragend in geometrischer Strenge der Figuren zum Ausdruck kommt. Art Deco erinnert zusammen mit seiner sanften Raffinesse daran, dass wir einen Gewinner vor uns haben, der mit dem sanften Geschlecht verwandt sein sollte.

Jean Patou spricht so über die „modische“ Philosophie: „Die moderne Frau führt einen aktiven Lebensstil, deshalb sollte eine Schöpferin sie angemessen kleiden, einfach, aber gleichzeitig ihre Weiblichkeit und ihren Charme betonend“. Ihre Kleidung „spielte“ mit weiblichen Begierden, schränkte den Besitzer von Kleidung weder in der Bewegung noch in der Selbstdarstellung ein, sondern versöhnte die Menschen gleichzeitig mit der Nachkriegswelt.

1921 demonstrierte Suzanne Rachel Flore Lenglen, französische Tennisspielerin und Olympiasiegerin, der Gesellschaft die Kleidung von Jean Patou. Sie kam zu den Wettkämpfen in einem weißen Kleid, das die Knie kaum bedeckte, während ihre Schultern mit einer Strickjacke geschlossen waren. Das Outfit sorgte wegen seiner fehlenden Trivialität sofort für heftige Diskussionen. Zukünftig trug Lenglen sowohl auf dem Tennisplatz als auch außerhalb bequeme und praktische Kleidung von Jean Patou. Jetzt wurde die Aufmerksamkeit von Prominenten auf die Sportkleidung gelenkt und Patou bekam den Auftrag, die gesamte Garderobe für Ruth Elder, die erste Pilotin, die den Versuch machte, den Atlantik zu überqueren, zu entwerfen.Foto theredlist.com

…Jean Patou hat einst Berühmtheit erfahren, die berühmten Leute wollten diese Marke in ihrer Kollektion haben, auch wenn ihre Aktivität nicht mit dem Sport verbunden ist. In einigen Jahren wurde die Auswahl an Kleidungsstücken Patou für weniger Sterbliche akzeptabel. Jean Patou sagte, dass er den Erfolg modischer Ideen als die ewige Notwendigkeit ansehe, zwischen dem Eintauchen in den lebendigen Kampf (wie es im Sport geschieht) und der Fähigkeit, das Geschehene zu beobachten (was typisch für die Zuschauer von Wettbewerben ist) zu balancieren ). Diese Philosophie hat sich in Amerika hervorragend etabliert, wo Jean Patou nach Zielgruppen suchte, die verstehen, dass in Frankreich die Überlegenheit noch Chanel gehörte. Nichtsdestotrotz hat Patou in Paris recht erfolgreich die Boutique Le Coindes Sports ins Leben gerufen, in der jede Halle genau der Sportart gewidmet war. Hier kann man sowohl die Reitbekleidung als auch Anzüge für Tennis, Golf, Yacht und sogar zum Angeln wählen. Danach hatte Jean Patou große Vorstellungen von französischen Ferienvierteln und ging dann nach New York. In Amerika organisierte der Designer den Wettbewerb und kehrte mit sechs Designern nach Frankreich zurück, und das erste Defile hatte über Nacht einen Erfolg. Dieser Schritt lenkte die Aufmerksamkeit der Amerikaner auf die modische Marke, während die Franzosen in der nächsten Zeit verstanden, dass es in ihrem Land eine Persönlichkeit von Weltrang gab.

Es reichte nicht aus, über die Lackierungen des Designers zu sprechen. „Patou, der in der Vergangenheit die schwarze Farbe respektiert hat, hat sich jetzt zu Ehren von Gelb und Grün entschieden. Ein gelblicher Farbton, eingebettet in die Tiefe der grünen Farbe, ist sehr wichtig, da viele großartige Frauen grüne Farbe mit übernatürlichen Fähigkeiten in Verbindung bringen“, wurde in der amerikanischen Presse geschrieben. Die folgende Farbe, die 1930 in Kollektionen des Designers auftaucht, ist zwischen Grau- und Beigetönen ausbalanciert.

Wie auch andere begabte Modeaktivisten war Patou davon überzeugt, dass der eigene Stil wichtiger ist als die Mode, weshalb er die produzierten Kleider mit dem Anteil an Einfachheit anpackte und der Kunde mit Leichtigkeit etwas nach den Launen der Fantasie gekauften Artikel hinzufügen konnte. Es war nicht schwer, das strenge Kleid in die romantische Variante zu verwandeln oder den festlich dekorierten Modellen die klassische Raffinesse durch die von Patou „Schweine und Pfeifen“ genannten Hüte und Schals zu verleihen.Foto theredlist.com

Seit 1925 beschränkte sich Jean Patou nicht auf die Kleidung und produzierte drei Parfümserien, 'Amour-amour' (wie der Produzent wirklich sagte, war es für sensible dunkelhaarige Frauen gedacht), 'Que Sais-Je?' (für Blondinen, die schnell und locker sind) und schließlich Adieu Sagesse (der Name riet den rot-goldhaarigen Mädchen, sich vom Wohlwollen zu verabschieden). Nach einiger Zeit setzte Patou seine Experimente fort und bot den Frauen, die sich für das sportliche Lifestyle-Männerparfum Le Sien entschieden, an, was übersetzt "Egoismus" bedeutet.

1936 starb dieser Mann, der glaubte, dass Kleidung schön, aber funktional sein sollte. Die bunten Trends kamen jedoch ohne Vordenker zur neuen Flut.

Modehaus von Jean Patou: Modernität

Nach dem Tod von Jean Patou wurde das Modehaus von Raymon Barbas, dem Ehemann der Schwester des Designers, übernommen. In den Kollektionen gibt es dunkelblaue Mäntel, rosa Kleider mit Rüschen, markante weiße und blaue Abendkleider und beeindruckende dunkelgrüne Anzüge mit den goldenen Knöpfen. Die neuen Besitzer wechseln die Produktion von Brautkleidern mit der strengen Businesskleidung ab, laden berühmte Designer zur Zusammenarbeit ein, darunter Marc Bohan, Karl Lagerfeld, Jean-Paul Gaultier und Christian Lacroix. Die Parfümlinie wird von den Großneffen von Jean Patou, Gi und Jan Mui übernommen.


Geschichte der Korsetts

Korsetts wurden erstmals im 16. Jahrhundert häufig getragen (erstmals in Spanien im späten 15. ). Diese Korsetts wurden hauptsächlich entwickelt, um den Oberkörper in die modische Zylinderform zu bringen, obwohl sie auch die Taille verengt. Sie hatten Schultergurte, die an der Taille endeten, sie drückten die Brust flach und drückten dabei die Brüste nach oben. Die Betonung des Korsetts lag weniger auf der schmalen Taille als auf dem Kontrast zwischen der starren Flachheit der Miederfront und den geschwungenen Oberteilen der Brüste, die über das Korsett hinausragten.

Das Korsett ging dann in Sonnenfinsternis. Die Mode umarmte die Empire-Silhouette: ein griechisch-römischer Stil, mit den knappen Röcken, die unter der Brust gerafft und der Taille dezent betont wurden, und Kleidern, die aus dünnen Musselins statt aus schweren Brokaten und Satins der aristokratischen High Fashion genäht wurden.

Die Regierungszeit des Imperiums war kurz. In den 1830er Jahren wurden die Schultern verbreitert (mit bauschigen Gigot-Ärmeln oder Volants), die Röcke verbreitert (Schichten versteifter Unterröcke) und die Taille verengt sich und wanderte in ihre "natürliche" Position. In den 1850er Jahren waren übertriebene Schultern aus der Mode gekommen und Taillen wurden an der natürlichen Taille über einem weiten Rock geschnürt. Die Mode hatte das erreicht, was wir heute als viktorianische Silhouette bezeichnen.

Vor der Mitte des 19. Jahrhunderts war der vorherrschende Begriff im Englischen "pair of stays Ladies stays girls stays" (aber "Korsett auf Französisch").

In den 1830er Jahren ließen die künstlich aufgeblähten Schultern und Röcke die dazwischen liegende Taille schmal wirken, selbst wenn das Korsett nur mäßig geschnürt wurde. Als die übertriebenen Schultern verschwanden, musste die Taille selbst festgezogen werden, um den gleichen Effekt zu erzielen. In den 1840er und 1850er Jahren wird das Engschnüren zum ersten Mal aufgezeichnet. Es war gewöhnliche Mode, die auf die Spitze getrieben wurde. Das viktorianische und edwardianische Korsett unterschied sich in vielerlei Hinsicht von früheren Korsetts. Das Korsett endete nicht mehr an der Taille, sondern weitete sich aus und endete einige Zentimeter unterhalb der Taille. Das Korsett war eher übertrieben geschwungen als zylindrisch.


Der Anzug ist eine traditionelle Form der formellen Herrenkleidung in der westlichen Welt. Seit rund vierhundert Jahren sind Anzüge mit passendem Mantel, Hose und Weste in und aus der Mode gekommen. Die Ableitung des modernen Lounge-Anzugs wird in den Umrissen der farbenprächtigen, aufwendig gearbeiteten königlichen Hoftracht des 17. Diese Entwicklung zeigt sich in jüngerer Zeit in der Verwendung von Dampf und Wattierung in der britischen Schneiderei beim Formen von Wollstoffen, dem Auf- und Abstieg der Krawatte und dem allmählichen Ausscheiden von Westen und Hüten in den letzten fünfzig Jahren.

Der moderne Lounge-Anzug erschien im späten 19. Jahrhundert, geht aber auf den vereinfachten, kleiderischen Standard der Kleidung zurück, der im 17. Jahrhundert vom englischen König Karl II. eingeführt wurde. Im Jahr 1666 verfügte der restaurierte Monarch Karl II. nach dem Beispiel des Hofes von König Ludwig XIV. in Versailles, dass die Männer am englischen Hof einen langen Mantel, eine Weste (damals "Unterrock" genannt), eine Krawatte (ein der Krawatte), eine Perücke, Kniebundhosen (Hose) und einen Hut. Die Gemälde von Jan Steen, Pieter Bruegel dem Älteren und anderen Malern der niederländischen Goldenen Ära zeigen jedoch, dass eine solche Anordnung in Holland, wenn nicht sogar in Westeuropa insgesamt, bereits informell verwendet wurde. Viele von Steens Genrebildern zeigen Männer in hüftlangen oder Gehröcken mit Hemd und Hose, die eher modernen Anzugdesigns ähneln als dem zeitgenössischen britischen Standard.

Regentschaft Bearbeiten

Im frühen 19. Jahrhundert definierte, adaptierte und popularisierte der britische Dandy Beau Brummell den Stil des britischen Hofes neu und führte europäische Männer dazu, gut geschnittene, maßgeschneiderte Kleidung zu tragen, die mit sorgfältig geknoteten Krawatten geschmückt war. Die Schlichtheit der neuen Kleider und ihre düsteren Farben standen im starken Kontrast zu den extravaganten, schrillen Styles zuvor. Brummells Einfluss leitete die moderne Ära der Herrenbekleidung ein, die heute den modernen Anzug und die Krawatte umfasst. Darüber hinaus leitete er eine ganz neue Ära der Pflege und des Stils ein, einschließlich des regelmäßigen (täglichen) Badens als Teil der Männertoilette. Gemälde französischer Männer ab 1794 zeigen jedoch, dass Brummel möglicherweise nur postrevolutionäre französische Anzüge angenommen und populär gemacht hat, darunter Frack, zweireihige Weste und lange Hosen mit entweder hessischen Stiefeln oder normalgroßen Schuhen. Es gibt kein Gemälde von Brummel aus dem 18. Jahrhundert, das seine Innovation begründet. Das moderne Anzugdesign scheint von der zweckmäßigen Kleidung von Jägern und Militärs inspiriert zu sein. Gemälde des Jahrzehnts 1760 zeigen, wie das moderne Manteldesign mit Revers entstand. Es ist in der Jagdszene mit Graf Carl Emil Ulrich von Donop als Motiv eines unbekannten Künstlers und Friedrich Wilhelm Ernst, Graf von Schaumburg-Lippe in hannoverscher Feldmarschalluniform von Joshua Reynolds zu sehen. [1]

In dieser Regentschaftszeit war die vorherrschende Oberklasse-Kleidung, die Brummell für die Tageskleidung einführte, ein eng anliegender, dunkler Frack mit nicht passenden (normalerweise blassen) Hosen, blasser Weste, weißem Hemd und Krawatte und hohen Stiefeln.

Viktorianische Bearbeiten

Zu Beginn der viktorianischen Zeit wurde der Gehrock, zunächst nicht nur schwarz, populär und wurde schnell zur täglichen Standardkleidung für Herren. Ab Mitte des 19. Jahrhunderts wurde ein neuer (damals noch informeller) Mantel, der Morgenmantel, salonfähig. Es war ein weniger formelles Kleidungsstück mit einer weggeschnittenen Vorderseite, wodurch es zum Tragen beim Reiten geeignet war.Morgenkleid und Gehrock-Kleidung waren keine Anzüge, da sie zu Hosen getragen wurden, die in Farbe oder Stoff nicht übereinstimmten, eine passende Weste und Hose galten als informell und konnten mit dem kurzlebigen Begriff beschrieben werden dito Anzug. [2] Der Gehrock war immer noch das Standardkleidungsstück für alle formellen oder geschäftlichen Anlässe, und abends wurde ein Frack getragen.

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts wurde der moderne Lounge-Anzug als sehr informelles Kleidungsstück geboren, das nur zum Sport, auf dem Land oder am Meer getragen werden sollte.

Parallel dazu wurde der Smoking erfunden und für informelle Abendveranstaltungen getragen. Es stammte von der weißen Krawatte (der Kleiderordnung, die mit dem Abendfrack verbunden ist) ab, wurde aber schnell zu einem völlig neuen Kleidungsstück, dem Smoking, mit einer neuen Kleiderordnung, die zunächst als "Dresslounge" und später als schwarze Krawatte bekannt war. Als es in die Vereinigten Staaten importiert wurde, wurde es als Smoking bekannt. Die 'Dress Lounge' wurde ursprünglich nur für kleine private Zusammenkünfte getragen und weiße Krawatte ('Weiße Krawatte und Frack') wurde immer noch für große formelle Veranstaltungen getragen. Die „Dresslounge“ wurde bei größeren Veranstaltungen als Alternative zum abendfüllenden Abendkleid mit weißer Krawatte langsam immer beliebter.

Edwardian Bearbeiten

Der Beginn der edwardianischen Ära im frühen 20. Jahrhundert brachte einen stetigen Rückgang des Tragens von Gehröcken, da der Morgenmantel relativ förmlich stieg, zuerst für Geschäftsleute akzeptabel wurde und dann sogar in der Stadt zur Standardkleidung wurde. Der Lounge-Anzug wurde langsam als korrekt außerhalb seiner ursprünglichen Umgebung akzeptiert und während der Edwardian-Zeit wurde allmählich in der Stadt gesehen. Obwohl es immer noch für private Zusammenkünfte reserviert war, in der Regel ohne Damen, wurden schwarze Krawatten immer häufiger.

In Nordamerika erfreute sich der "Sack Suit", ein Schnitt des Lounge-Anzugs, großer Beliebtheit und ist bis auf die Schultern körperlos, locker und informell, da er keine Abnäher hat.

Zwischenkrieg Bearbeiten

Nach dem Ende des ersten Weltkriegs übernahmen die meisten Männer den kurzen, beschichteten Lounge-Anzug. Lange Mäntel kamen im Alltag und im Business schnell aus der Mode und der Morgenmantel erhielt seine heutige Einstufung als „formell“. In den 1920er Jahren wurden immer kurze Anzüge getragen, außer zu formellen Anlässen tagsüber, wenn ein Morgenmantel getragen wurde. Ältere, konservativere Männer trugen weiterhin einen Gehrock oder "Prince Albert Coat", wie er genannt wurde.

In Nordamerika ersetzte der kurze Smoking für abendliche Anlässe praktisch die langen "Full-Dress"-Fracks, die als "alter Hut" wahrgenommen wurden und nur von alten konservativen Männern getragen wurden. In Großbritannien wurde die schwarze Krawatte als allgemeine informelle Alternative zur weißen Krawatte akzeptabel, obwohl der Stil und die Accessoires der schwarzen Krawatte zu dieser Zeit noch sehr fließend waren.

In den 1920er Jahren begannen Männer, weite, gerade Hosen zu ihren Anzügen zu tragen. Diese Hose maß normalerweise 23 Zoll um die Manschette. Jüngere Männer trugen oft noch weiter geschnittene Hosen, die als "Oxford-Taschen" bekannt waren. Kurz nach dem Ersten Weltkrieg wurden Hosen auch mit Manschetten getragen und dieser Stil blieb bis zum Zweiten Weltkrieg bestehen. Hosen wurden erstmals in den 1920er Jahren mit Falten getragen. Hosen wurden in den 1920er Jahren sehr hoch tailliert getragen und diese Mode blieb bis in die 1940er Jahre in Mode. Einreihige Anzüge waren in den 1920er Jahren in Mode und der zweireihige Anzug wurde hauptsächlich von älteren, konservativeren Männern getragen. In den 1920er Jahren trugen sehr modische Männer oft zweireihige Westen (mit vier Knöpfen auf jeder Seite) mit einreihigen Mänteln. Revers an einreihigen Anzügen wurden modisch spitz getragen und waren oft weit. In den frühen 1930er Jahren wurden diese Stile weitergeführt und oft noch weiter übertrieben.

Vor 1935 (und wieder in den 1970er Jahren) bevorzugten Männer eng anliegende Mäntel und Westen. 1935 vollzog sich ein kompletter Stilwandel. Locker sitzende Mäntel wurden eingeführt, Hosen wurden unten verjüngt und Anzugmäntel bekamen verjüngte Ärmel. Diese neuen Trends wurden von Männern zunächst nur zögerlich akzeptiert. Die Weste wurde zunächst noch im traditionellen enganliegenden und enganliegenden Stil gefertigt. Ab 1940 wurde die Weste in einem lockeren Stil hergestellt, was das Tragen unangenehm machte. In Modemagazinen der damaligen Zeit beklagten sich Männer, dass diese neuen Westen immer wieder hochrutschen, wenn sie sich hinsetzen oder sich bücken. Modische Männer änderten zu dieser Zeit ihre Vorliebe für den zweireihigen Anzugmantel und er sollte für die nächsten zwei Jahrzehnte in Mode bleiben.

Zu dieser Zeit wurde das Morgenkleid durch halbformelle Tageskleidung ersetzt, die in Nordamerika als Kinderwagen bekannt ist. Dies war recht beliebt, wurde aber tatsächlich vom Morgenmantel überlebt. Seit den 1950er Jahren wird er als schwarze Version des Lounge-Anzugs als informeller Look zum Smoking verwendet. In der Neuzeit ist der schwarze Lounge-Anzug beliebt geworden, um tagsüber zu tragen.

Nachkriegs Bearbeiten

In Anbetracht der Demokratisierung des Reichtums und des größeren Trends zur Vereinfachung in den Jahrzehnten nach dem Zweiten Weltkrieg wurde der Anzug standardisiert und gestrafft. Anzugmäntel wurden so gerade wie möglich ohne Anzeichen einer Taille geschnitten, und in den 1960er Jahren war das Revers schmaler als je zuvor. Die Stoffrationierung während des Krieges hatte erhebliche Stiländerungen erzwungen, was zu einem starken Rückgang der Popularität von Schnitten wie dem zweireihigen Anzug beitrug.

Die New York Times Style Magazine erklärt einen ikonischen Anzug der Ära, den grauen Flanellanzug:

1955, als Denim der Höhepunkt der Rebellion war, erschien Sloan Wilsons Roman Der Mann im grauen Flanellanzug machte aus einem Herrenklassiker ein Synonym für triste, bürgerliche Konformität . . . Flanell hatte bescheidene Anfänge – der Name leitet sich angeblich von „gwlanen“ ab, walisisch für Wollstoff – und wurde im 19. Jahrhundert für Unterwäsche verwendet. In den 1880er Jahren wurde weißer Flanell für den Sommersport getragen, in den 1920er Jahren war das eher saisonunabhängige Grau zu einem Favoriten geworden. Als der Prinz von Wales auf seiner Amerikareise 1924 graue Flanellhosen trug, wurden sie von den Kollegiaten auf beiden Seiten des Atlantiks nachgeäfft. Cary Grant und Fred Astaire trugen den Trend dann bis in die 1940er Jahre. Das archetypische Quadrat der Nachkriegszeit wurde später in der Stilenzyklopädie von Esquire als ein gepflegter, umsichtiger, konservativer Mann, der einen Aktenkoffer bei sich trug und ein rosafarbenes Hemd mit Knöpfen als seine einzige Schneiderliebe betrachtete. [3]

In den späten 1960er und frühen 1970er Jahren wurde die Nehru-Jacke, ein indischer Stil mit Mandarinkragen, von Entertainern wie Johnny Carson und den Beatles eingeführt und erlebte einen kurzen Anstieg der Popularität in Westeuropa und den Vereinigten Staaten.

In den 1970er Jahren wurde ein enganliegender Anzugmantel wieder populär, der auch die Rückkehr der Weste förderte. Dieser neue dreiteilige Stil wurde eng mit der Disco-Kultur verbunden und wurde durch den Film besonders populär gemacht Saturday Night Fever. Modemarken wie Haggar begannen inzwischen mit der Einführung des Konzepts der "Suit Separates", einer Produktionsinnovation, die den Bedarf an übermäßiger Anpassung reduzierte.

In den 1980er Jahren gab es wieder einen Trend zur Vereinfachung des Anzugs. Die Jacke wurde lockerer und auf die Weste wurde komplett verzichtet. Einige Anzugmacher stellten weiterhin Westen her, diese waren jedoch eher tief geschnitten und hatten oft nur vier Knöpfe. Die Taillenlinie des Anzugmantels ging in den 1980er Jahren wieder weit unter die Taille. Von 1985 bis 1986 waren dreiteilige Anzüge auf dem Vormarsch und machten Platz für geschnittene zweireihige und zweiteilige einreihige Anzüge.

In den späten 1990er Jahren wurde der zweiteilige Drei-Knopf-Anzug wieder populär, der irgendwann im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts wieder aus der Mode kam.

Die frühesten Damenanzüge waren Reitanzüge, die aus einem maßgeschneiderten Mantel oder einer Jacke und einem passenden Rock aus den 1660er Jahren bestanden. Praktische und robuste Reitgewohnheiten wurden nicht nur zu Pferd getragen, sondern auch für Reisen und andere Tagesaktivitäten. Nicht zum Reiten bestimmte Sakko-Rock-Ensembles entstanden im späten 19. Jahrhundert. Sowohl die Reitgewohnheiten als auch die Wanderanzüge spiegelten die Rock- und Ärmelstile der Zeit wider. Bis in die 1910er Jahre wurden Mantel- und Rockensembles meist als "Kostüme" und nicht als Anzüge bezeichnet, und der Begriff "Anzug", wie er für solche Sets verwendet wurde, war erst nach dem Ersten Weltkrieg üblich. [4]

In der ersten Hälfte des 20. Jahrhundert.

Unter dem Einfluss von Für den Erfolg kleiden, eine Berufsfrauenuniform mit Rockanzug, maßgeschneidertem Hemd und Schlappkrawatte, entstand in den 1970er und 1980er Jahren. Hosenanzüge (Frauenanzüge mit Hosen im orientalischen Stil) wurden 1964 vom Designer André Courrèges eingeführt, wurden aber erst nach und nach als formelle Geschäftskleidung akzeptiert.

Im letzten halben Jahrhundert ist das Tragen von Anzügen weitaus seltener geworden als früher und ist heute meist formellen und geschäftlichen Aktivitäten vorbehalten. In den 1990er Jahren haben viele Unternehmen in Nordamerika lässige Kleiderordnungen eingeführt, beginnend mit "Casual Fridays" und dann bis zur gesamten Geschäftswoche. Die Abkehr von einer einheitlichen Kleiderordnung hat zu erheblicher Verwirrung darüber geführt, was als angemessene Geschäftskleidung angesehen wird. In jüngerer Zeit haben einige Organisationen die formale Kleiderordnung verstärkt, obwohl sie möglicherweise nie wieder so verbreitet sein wird wie früher.

Obwohl der europäische Maßanzug des Mannes gemeinhin als das ultimative konservative Kostüm der westlichen Kultur angesehen wird, wurden östliche Einflüsse oder extravagante Variationen des Maßanzugs im letzten Jahrhundert von vielen Subkulturen aus modischen oder sozialen Gründen übernommen. Bereits 1922 sprach Emily Post in ihrem einflussreichen Reiseführer über das, was sie den "Freak American Suit" nannte Etikette:

Sie werden es überall sehen, auf dem Broadway jeder Stadt und der Main Street jeder Stadt, auf den Promenaden und Stränden von Küstenorten und sogar in abgelegenen Bauerndörfern. Es schlägt dir Jahr für Jahr in all seinen erstaunlichen Variationen ins Gesicht: Taillenlinie unter den Achseln, "Trick"-Gürtelchen, was nicht in den Bündchenhosen so eng ist, dass du befürchtest, dass sie vor deinen Augen platzen, Taschen in jeder Position platziert, Knöpfe in einer engen Reihe gebündelt oder auf einen reduziert. Solche progressiven Stile spiegeln möglicherweise nicht den internationalen Geschmack oder die Etikette wider.

Einige der nicht-traditionellen Maßanzug-Stile des letzten Jahrhunderts sind:


Inhalt

Das Wort ohne BH wurde erstmals um 1965 verwendet. [4] Andere Begriffe für das Tragen ohne BH sind Brustfreiheit, Top-Freiheit und BH-Freiheit. [5] [6] [7] Aktivisten, die sich dafür einsetzen, ohne BH zu sein, haben Proteste als "Bra-cott" bezeichnet. [8]

Forscher und Ärzte haben gesundheitliche Vorteile für das Tragen ohne BH gefunden. Ein Forscher fand heraus, dass Frauen, die keinen BH trugen, weniger Schulter- und Nackenschmerzen hatten. Laut einer im veröffentlichten Studie Klinische Studie zu Schmerzen, können großbrüstige Frauen Rückenschmerzen lindern, indem sie ohne BH gehen, und sie finden es möglicherweise eine bevorzugte Behandlung gegenüber einer Brustverkleinerung. [9] Von den großbusigen Frauen, die an der Studie teilnahmen, entschieden sich 79% dafür, das Tragen von BHs vollständig einzustellen. [10]

Verbesserte Brustform Bearbeiten

Der Geburtshelfer Lucky Sekhon erklärte, dass Frauen mit Brüsten jeder Größe von BH-Leerlosigkeit profitieren können. "Frauen mit größeren Brüsten fühlen sich anfangs möglicherweise unwohler als solche mit kleineren Brüsten, da ihre Muskeln anfangs schwach sind und sich nicht stark genug anfühlen, um eine angemessene Unterstützung zu bieten", sagt sie. "Im Laufe der Zeit wird sich ihr Körper jedoch anpassen und auf natürliche Weise beginnen, das Brustgewebe angemessen zu stützen, ohne die Hilfe eines BHs." Sie sagt, dass es Beweise dafür gibt, "dass das Tragen eines BHs die Muskeln und Bänder, die die Brüste stützen, mit der Zeit träge machen kann, was zu Erschlaffung und Schlaffheit der Brust führt." Sie sagt, dass der Glaube, dass das Tragen eines BHs über einen längeren Zeitraum die Brüste erschlaffen lässt, ein weit verbreitetes Missverständnis ist. „Frauen, die lange Zeit ohne BH unterwegs waren, berichten oft, dass ihre Brüste dadurch mit der Zeit fester, runder und frecher werden“, sagt sie. Frauen mit größeren oder volleren Brüsten können jedoch eine stärkere Rückenbelastung verspüren, wenn sie keinen BH tragen. "Es kann Wochen bis Monate dauern, bis die Brust- und Rückenmuskulatur kräftig genug ist, damit die Brüste ohne BH gut gestützt werden." [11]

In einer anderen Studie trugen elf erwachsene weibliche Probanden im Alter von 22 bis 39 drei Monate lang einen korrekt sitzenden BH und dann drei Monate lang ohne BH. Nach der BH-Tragephase wurde der Abstand zwischen der rechten und linken Brustwarze der Frau im Vergleich zur BH-freien Phase größer und ihre Brüste sackten stärker ab. [12]

Professor Jean-Denis Rouillon, ein Sportwissenschaftsexperte von der Universität Franche-Comté in Besançon, Frankreich, führte eine 15-jährige Studie durch, in der die Vorteile untersucht wurden, die Frauen durch das Tragen eines BHs haben. Er diskutierte 2013 seine vorläufigen Recherchen, die in Frankreich und anderswo erhebliche mediale Aufmerksamkeit erregten. [13] [14] In einem umstrittenen Ergebnis kam er zu dem Schluss, dass die Brustwarzen von 330 Frauen im Alter von 18 bis 35 Jahren, die nie BHs trugen, jedes Jahr im Durchschnitt 7 Millimeter (0,28 Zoll) höher in Bezug auf ihre Schultern waren als normale BH-Trägerinnen. [15] [16] Er schloss:

Medizinisch, physiologisch, anatomisch – die Brüste profitieren nicht davon, dass ihnen die Schwerkraft verweigert wird. Im Gegenteil, sie werden mit einem BH schlaffer. [17]

Rouillon stellte fest, dass alle Studienteilnehmer zwischen 18 und 35 Jahre alt waren und dass die Studienergebnisse noch vorläufig waren. Er sagte jedoch: "Eine Frau mittleren Alters, übergewichtig, mit 2,4 Kindern? Ich bin mir überhaupt nicht sicher, ob sie davon profitieren würde, auf BHs zu verzichten." [18] Seine Schlussfolgerungen wurden teilweise vom plastischen Chirurgen Dr. Stafford Broumand vom Mount Sinai Medical Center unterstützt. "Bei jüngeren Frauen führt das Nicht-Tragen eines BHs zu einer erhöhten Kollagenproduktion und -elastizität, was das Heben einer sich entwickelnden Brust verbessert. Außerdem kann die Spannung des Bindegewebes und der Bänder, die die Brust stützen, vorteilhaft sein, um ein Erschlaffen zu verhindern." [19] Rouillons Forschung hat bei einigen Frauen an Bedeutung gewonnen, die damit das Argument untermauern, dass das Tragen von BHs ungesund und unnötig ist. [15] Seine Studie wird in einer Reihe von Artikeln zitiert, die sie verwenden, um die Idee zu unterstützen, dass es für eine Frau akzeptabel ist, ohne BH zu gehen. [20]

Aber Rouillons Ergebnisse wurden von einigen in den französischen Medien lächerlich gemacht. [21] [22] Seine Ergebnisse und Forschungsmethoden wurden auch von einigen in Frage gestellt, die seine Ergebnisse in Frage stellten, weil sie nicht in einer medizinischen Zeitschrift veröffentlicht wurden. [23] [24] Kritiker und Skeptiker stellten fest, dass sie die eigentliche Studie, die Rouillon angeblich abgeschlossen haben soll, nicht finden können, sondern nur darüber berichtet, einschließlich des ersten Interviews im französischen Radio, das eine breite Berichterstattung auslöste. [25] [26]

Ab 2006 trugen etwa 10 % der australischen Frauen keinen BH. [27] Umfragen haben ergeben, dass 5–25 Prozent der westlichen Frauen keinen BH tragen. [28] [29] [30]

Bessere Auflage Bearbeiten

Da es schwierig ist, einen gut sitzenden BH zu finden, fühlen sich BH-Trägerinnen manchmal eingeengt. Eine Studie ergab, dass 70 % der Frauen zu kleine BHs tragen. [31] Sekhon sagt, dass BHs die Durchblutung der Rücken- und Brustmuskulatur behindern und so zu Muskelkater beitragen können. Frauen mit großen Brüsten, die aufhören, einen BH zu tragen, können schneller eine bessere Durchblutung erfahren als Frauen mit kleineren Brüsten, da BHs, die größere Brüste unterstützen, tendenziell enger sitzen als solche, die von Frauen mit kleineren Brüsten getragen werden. [11] [32] [33]

Erhöhter Komfort Bearbeiten

Sekhon sagt, dass Frauen, die es gewohnt sind, einen BH zu tragen, sich zunächst selbstbewusst und entblößt fühlen können, wenn sie ohne BH gehen. [34] Da Frauen jedoch häufiger ohne BH gehen, fühlen sie sich wohler und freier. Frauen mit großen Brüsten fühlen sich im Vergleich zu Frauen mit kleineren Brüsten wohler. [11] [33] Einige Frauen, die während der COVID-19-Pandemie bei der Arbeit von zu Hause aus ohne BH gegangen sind, möchten nicht wieder BHs tragen. [35]

Bessere Gesundheit der Brusthaut Bearbeiten

Frauen, die einen BH tragen, leiden oft unter "Brustschweiß", verstopften Poren, Hautreizungen und Körpergeruch. Frauen können Akne-Mechanik entwickeln. Frauen können dieses Problem lindern, indem sie ohne BH gehen. [36] [37] [32] [35] [33]

Braless zu Hause Bearbeiten

Wenn sie von einem Arbeitstag nach Hause kommen, gestehen viele Frauen, dass sie sich darauf freuen, ihren BH auszuziehen, sobald sie nach Hause kommen. [38] Ein Redakteur schrieb: „Den BH auszuziehen ist ein extrem befreiendes Gefühl, auf das wir Frauen uns freuen – jeden Tag, den ganzen Tag.“ [38] [39] [40] [41] Während der COVID-19-Pandemie und der daraus resultierenden Verpflichtung vieler Menschen, von zu Hause aus zu arbeiten, gaben viele Frauen öffentlich zu, jederzeit auf das Tragen eines BHs zu verzichten. [19] [42] [11]

Die Modebloggerin aus Miami, Maria Tettamanti, gab gerne zu, dass sie während der Arbeit von zu Hause aus keinen BH trägt. „Das einzig positive Merkmal dieser Pandemie ist die Vorstellung, dass wir ohne BH von zu Hause aus arbeiten können – ohne Bügel, übermäßig eng anliegende, übermäßig gepolsterte BHs.“ [43]

Im April 2020 gingen die Online-BH-Verkäufe um 12% zurück, [41] während die Verkäufe von drahtlosen BHs um 40% stiegen. [44]

Frauen begrüßten die Möglichkeit, die normalen Beschwerden zu vermeiden, die oft mit dem Tragen eines BHs einhergehen. [45] Ein Bekleidungshersteller befragte 1000 Frauen und stellte fest, dass 35 % der Frauen bei der Arbeit von zu Hause ohne BH waren. Sie berichteten auch, dass Hashtags wie #nobranoproblem und #bralessandflawless auf Twitter verbreitet waren. [46]

Komfort vor Mode Bearbeiten

Eine Harris-Umfrage im Auftrag von Playtex 2009 wurden mehr als 1.000 Frauen gefragt, was sie an einem BH mögen. Unter den Befragten gaben 67 Prozent an, dass sie lieber einen BH tragen als ohne BH, während 85 Prozent einen "formverbessernden BH tragen möchten, der sich wie nichts anfühlt". Bei Bügel-BHs waren sie geteilter Meinung: 49 Prozent gaben an, dass sie Bügel-BHs bevorzugen, genauso viel wie diejenigen, die angaben, kabellose BHs zu bevorzugen. [47] Das Bekleidungsunternehmen Ruby Ribbon befragte 2014 im Vorfeld des National No Bra Day 3.000 Frauen zu ihrer Einstellung zu ihren Brüsten und BHs. Von den Befragten gaben 92 Prozent an, dass sie einfach nur Unterstützung und Komfort wünschen und weniger an Sexappeal oder modischen Farben und Designs interessiert sind. Einundzwanzig Prozent bewerteten ihren BH mit „Ein Feind – ich wünschte, ich hätte sie nie getroffen“ und fast die Hälfte (46 %) antwortete: „Ein Geschäftspartner – ich habe sie ausgehalten“. Als sie gebeten wurden, ihren BH in einem Wort zu beschreiben, war der beliebteste Begriff "unbequem". [48] ​​[38]

Passform und Beschwerden des BHs Bearbeiten

Eine Vielzahl von Faktoren macht es für Frauen schwierig, einen passenden BH zu finden. Dazu gehören stark unterschiedliche internationale Herstellungsstandards und Messmethoden, die Vielfalt der BH-Größen und die großen anatomischen Unterschiede bei Frauen. [49] [50] Bei manchen Frauen ist eine Brust etwas größer als die andere. [51] Eine offensichtlichere und anhaltendere Asymmetrie der Brustgröße tritt bei bis zu 25 % der Frauen auf. [52]

Frauen neigen dazu, einen BH zu finden, der zu passen scheint und für eine lange Zeit bei dieser Größe bleibt, auch wenn sie an Gewicht verlieren und zunehmen können. [53] Medizinische Studien haben gezeigt, dass die meisten Frauen durch das Tragen eines BHs Schmerzen haben und dass es für Frauen schwierig ist, einen richtig sitzenden BH zu finden. [54] [55] Als Folge dieser Faktoren tragen 80 – 85 % der Frauen, die einen BH tragen, die falsche BH-Größe. In einer Studie tragen 70 % der Frauen zu kleine und 10 % zu große BHs. [31] [56] [57]

Frauen klagen über Brust-, Schulter-, Nacken- und Rückenschmerzen, Migräne, Verdauungsstörungen, Hautabschürfungen und eingeschränkte Atmung durch das Tragen von BHs. [58] [57] [59] Frauen mit großen Brüsten haben eher Beschwerden. Große Körbchen wurden mit einer Zunahme von Schulter- und Nackenschmerzen korreliert. [9] Ein Forscher fand heraus, dass 40% der Frauen, die Pferde ritten, über Brustschmerzen berichteten. [60] Frauen nennen oft die Beschwerden und Schmerzen, die mit dem Tragen von BHs verbunden sind, als Hauptgrund dafür, sie nicht zu mögen und das Tragen eines BHs aufzugeben. [49]

Westlichen Frauen wurde beigebracht zu glauben, dass BHs manchmal aus medizinischen oder physiologischen Gründen erforderlich sind. New Yorker OBGYN Niels Lauersen schrieb:

Es gibt keinen medizinischen Grund, einen BH zu tragen, daher liegt die Entscheidung bei Ihnen, basierend auf Ihrem persönlichen Komfort und Ihrer Ästhetik. Wenn Sie schon immer einen BH getragen haben, werden Ihre Brüste aufgrund von Alter und Stillen natürlich erschlaffen. [61]

Susan M. Love, eine klinische Professorin für Chirurgie an der UCLA, ist eine Gründerin der National Breast Cancer Coalition. Sie schrieb: „Abgesehen von den Frauen, die BHs besonders bequem oder unbequem finden, ist die Entscheidung, einen zu tragen oder nicht zu tragen, rein ästhetisch – oder emotional es, mach dir keine Mühe." [62]

Auswirkung auf die Gesundheit Bearbeiten

Eine Studie aus dem Jahr 2000, die in der US-amerikanischen National Library of Medicine National Institutes of Health veröffentlicht wurde, beschrieb, wie der Druck, der durch das Tragen eines BHs entsteht, den Schlafzyklus und den zirkadianen Rhythmus stören kann, selbst wenn eine Frau keinen BH im Bett trägt. Heidi Lehmann, eine Meister-BH-Designerin, sagt: "Es ist wichtig, dass die Brüste ausreichend ruhen, um gesund zu bleiben." [63]

Angst vor Krebs Bearbeiten

Viele Frauen entscheiden sich dafür, keinen BH zu tragen, basierend auf einer Studie und einem umstrittenen Buch, das das Tragen von BHs mit einem erhöhten Krebsrisiko in Verbindung bringt. Die Studie von 1991 ergab, dass Frauen vor der Menopause, die keinen BH trugen, im Vergleich zu BH-Trägerinnen ein halb so hohes Brustkrebsrisiko hatten. [64] Diese Studie und das umstrittene Buch von 1995 Dressed to Kill: Die Verbindung zwischen Brustkrebs und BHs wurde von vielen Frauen als Grund für ihre Besorgnis über den Zusammenhang zwischen BHs und Krebs genannt. Eine Umfrage aus dem Jahr 2002 ergab, dass 31 Prozent der Frauen zustimmen, dass "Bügel-BHs Brustkrebs verursachen können", und weitere sechs Prozent waren sich nicht sicher. [65]

Wissenschaftler der American Cancer Society antworteten, dass es wenig glaubwürdige wissenschaftliche Beweise gibt, die einen Zusammenhang zwischen dem Tragen von BHs und Krebs belegen. [65] [66] Die New York Times berichtete: „Es gibt keine wissenschaftlich glaubwürdigen Beweise. Und der vorgeschlagene Mechanismus – dass BHs die Ausscheidung von Giftstoffen verhindern, indem sie den Lymphfluss blockieren – stimmt nicht mit wissenschaftlichen Konzepten über die Entwicklung von Brustkrebs überein. Der Internetverkehr zu diesem Thema wird hauptsächlich von einer Studie inspiriert Gansler weist mehrere wissenschaftliche Mängel auf. Die Studie, die nie in einer von Experten begutachteten Zeitschrift veröffentlicht wurde, berücksichtigte keine bekannten Brustkrebsrisikofaktoren, die mit dem BH-Trageverhalten in Verbindung gebracht werden könnten, wie Gewicht und Alter kannte die Hypothese vor der Umfrage." [67] Das National Cancer Institute der Vereinigten Staaten stellt fest, dass BHs das Brustkrebsrisiko einer Frau nicht erhöhen [68] und die American Cancer Society erklärte: Brustkrebs." [69]

Eine angesehene Studie aus dem Jahr 2014 von Forschern des Fred Hutchinson Cancer Research Center in Seattle fand keinen direkten Zusammenhang zwischen dem Tragen eines BHs und der Entwicklung von Brustkrebs. [70] Der Bericht stellte fest, dass "kein Aspekt des Tragens von BHs, einschließlich BH-Körbchengröße, Aktualität, durchschnittliche Anzahl der Stunden am Tag, das Tragen eines BHs mit Bügeln oder das erstmalige regelmäßige Tragen eines BHs, mit Risiken verbunden war." von Brustkrebs. [71] Die Studie umfasste detaillierte Studien zum Lebensstil und zum Tragen von BHs von Frauen und fand keine Korrelation zwischen der Verwendung von BHs und Krebs. [72] [67] Die Studie schloss Frauen, die keinen BH trugen, nicht als Vergleich mit denen ein, die einen BH trugen. Trotz der widersprüchlichen wissenschaftlichen Erkenntnisse nennen Frauen die Angst vor Brustkrebs als Grund, das Tragen von BHs einzustellen. [73] Die Brusttemperatur steigt beim Tragen eines BHs. [74]

Hängende Brust Bearbeiten

Manche Frauen glauben fälschlicherweise, dass das Stillen zum Erschlaffen der Brust beiträgt. [75] [76] Forscher haben herausgefunden, dass Stillen und Gewichtszunahme während der Schwangerschaft das Durchhängen nicht beeinflussen. Stattdessen identifizierten sie die Schlüsselfaktoren wie Alter, signifikante Gewichtszunahme oder -abnahme, hoher BMI, ob eine Frau Zigaretten rauchte und die Anzahl der Schwangerschaften, die eine Frau hatte. Zu den erblichen Faktoren, die das Erschlaffen beeinflussen, gehören die Hautelastizität, die Brustgröße vor der Schwangerschaft und die Brustdichte (das Verhältnis von Fett zu Drüsengewebe). [77] [78] [79] [80]

Ein weiteres häufiges Missverständnis ist, dass BHs erforderlich sind, um zu verhindern, dass die Brüste später im Leben hängen. [75] [81] Dr. Mary Jane Minkin, eine klinische Professorin für Geburtshilfe und Gynäkologie an der Yale University School of Medicine, stellte fest, dass es keinen Zusammenhang zwischen dem Tragen eines BHs und dem Erschlaffen der Brüste gibt. [82] Forscher, BH-Hersteller und medizinisches Fachpersonal können keine Beweise finden, die die Idee unterstützen, dass das Tragen eines BHs für eine beliebige Zeitdauer die Brustptosis stoppt, verlangsamt oder in irgendeiner Weise beeinflusst. [83] John Dixey, ehemaliger CEO des BH-Herstellers Playtex, erklärte in einem britischen Fernsehinterview von Channel 4: „Wir haben Beweise dafür, dass das Tragen eines BHs das Durchhängen nicht verhindern kann, da die Brust selbst keine Muskeln ist, also ist es wichtig, sie straff zu halten eine Unmöglichkeit. Es gibt keine dauerhaften Auswirkungen auf die Brust durch das Tragen eines bestimmten BHs. Der BH gibt Ihnen die Form, für die der BH entworfen wurde, während Sie ihn tragen." [84] [85] [86]

Moderne Frauen wurden sozialisiert, um zu glauben, dass freche Brüste wünschenswert sind. Laura Tempesta, BH-Expertin und Gründerin des BH-Herstellers Bravolution, sagte: "Hochgezogene Brüste gelten in unserer Kultur als attraktiv, deshalb ist das Tragen von BHs eine kulturelle Entwicklung." [82] Frauen fühlen sich unter Druck gesetzt, BHs zu tragen, weil die Gesellschaft erwartet, dass ihre Brüste "fest und in der richtigen Position bleiben" oder dass sie ohne BH promiskuitiv, locker oder nuttig sind. Eine zunehmende Zahl von Millennial-Frauen lehnt diese Ideen als Überbleibsel aus früheren Epochen ab, in denen "die Existenz einer Frau für den männlichen Blick bestimmt ist". [3] [34]

In den letzten Jahren ist es in Mode gekommen, ohne BH zu sein, was lange Zeit als politisches Statement galt. [2] Eine zunehmende Zahl von Frauen, insbesondere der Millennial-Generation, fühlen sich wohler, wenn sie keinen BH tragen, und was sie tragen, basiert mehr auf ihren Wünschen und nicht auf gesellschaftlichen Normen oder feministischen Ideologien. Mit der zunehmenden Akzeptanz der Me-Too-Bewegung denken Mitarbeiter und andere vielleicht, dass sie nicht das Recht haben, etwas über eine Frau zu sagen, die keinen BH trägt. [87] Jennifer Maher, Professorin für Gender Studies an der Indiana University, sagt, dass das Tragen oder Nichttragen eines BHs keine "feministische Lehre" mehr sei. [88]

Feministische Reaktion Bearbeiten

In den 1960er Jahren nahmen einige Feministinnen Braless an. [89] Die meisten westlichen Frauen trugen jedoch weiterhin BHs, obwohl sie sich darüber beschwerten, wie unbequem sie waren. [89]

1968 warfen Demonstranten beim feministischen Miss America-Protest symbolisch eine Reihe weiblicher Produkte in einen "Freedom-Mülleimer". Dazu gehörten BHs, [90] die von den Demonstranten als "Instrumente weiblicher Folter" [91] bezeichnet wurden, und Kleidungsstücke, die ihrer Meinung nach erzwungene Weiblichkeit darstellten. Eine lokale Nachrichtenmeldung in Atlantic City Drücken Sie berichtet, dass "die BHs, Gürtel, Falsies, Lockenwickler und Kopien beliebter Frauenzeitschriften im 'Freedom Trash Can' verbrannt wurden". [92] [93] : 109–110 Aber die Anwesenden sagten, dass niemand einen BH verbrannt oder ihren BH ausgezogen habe. [91] [94] Die Reporterin Lindsy Van Gelder zog eine Analogie zwischen den feministischen Demonstranten und den Vietnamkriegs-Demonstranten, die ihre Draft-Karten verbrannten, und diese Parallele zwischen Demonstranten, die ihre Draft-Karten verbrannten, und Frauen, die ihre BHs verbrannten, wurde von einigen Organisatoren, darunter Robin Morgan, gefördert. "Die Medien haben den BH-Teil aufgegriffen", sagte Carol Hanisch später. "Ich sage oft, wenn sie uns 'Girdleburner' genannt hätten, wäre jede Frau in Amerika zu uns gerannt." [94] [95]

Feminismus und "BH-Brennen" wurden in der Populärkultur miteinander verbunden. [96] [97] Während feministische Frauen an diesem Tag buchstäblich ihre BHs verbrannt haben oder nicht, haben einige aus Protest aufgehört, sie zu tragen. [98] [99] Die feministische Autorin Bonnie J. Dow schlug vor, dass die Verbindung zwischen Feminismus und BH-Verbrennen von Personen gefördert wurde, die sich der feministischen Bewegung widersetzten. [90] "Bra-burning" schuf ein Bild, dass Frauen nicht wirklich die Freiheit vom Sexismus suchten, sondern versuchten, sich als sexuelle Wesen zu behaupten. [90] Dies könnte zu der Annahme führen, dass die Frauen, wie Susan J. Douglas schrieb, lediglich versuchten, "trendy zu sein und Männer anzuziehen". [100] [90] : 130 [101] [102] [103] Einige feministische Aktivistinnen glauben, dass Antifeministinnen den Mythos der BH-Verbrennung und das Thema, ohne BH zu gehen, verwenden, um das zu banalisieren, was die Demonstranten bei der feministischen Miss 1968 erreichen wollten Amerikas Protest und die feministische Bewegung im Allgemeinen. [104] [105] [106]

Die Trope der Feministinnen, die ihre BHs verbrennen, wurde von einer früheren Generation von Feministinnen antizipiert, die das Verbrennen von Korsetts als einen Schritt in Richtung Befreiung forderten. 1873 schrieb Elizabeth Stuart Phelps Ward:

Also verbrennt die Korsetts! . Nein, Sie retten auch nicht die Fischbeine, Sie werden nie wieder Fischbeine brauchen. Machen Sie ein Freudenfeuer aus den grausamen Stählen, die so viele Jahre über Ihren Brustkorb und Ihren Unterleib geherrscht haben, und seufzen Sie erleichtert auf, für Ihre Emanzipation, die ich Ihnen versichere, von diesem Moment an hat begonnen. [107]

Einige Feministinnen begannen in den 1960er und 1970er Jahren zu argumentieren, dass der BH ein Beispiel dafür sei, wie Frauenkleidung den Körper von Frauen nach männlichen Erwartungen formte und sogar verformte. Professor Lisa Jardine hörte 1964 während eines formellen College-Dinners im Newnham College in Cambridge der Feministin Germaine Greer zu, die über BHs sprach (Greer war 1962 Mitglied der Fakultät des Colleges geworden):

Am Tisch der Absolventen erklärte Germaine, dass es für Frauen, egal wie hochgebildet, keine Befreiung geben könne, solange wir unsere Brüste in BHs stopfen müssten, die wie Mini-Vesuv gebaut waren, zwei genähte weiße freitragende Kegel, die keine Ähnlichkeit mit der weiblichen Anatomie. Das bereitwillig erlittene Unbehagen des Sixties-BHs, meinte sie energisch, sei ein abscheuliches Symbol weiblicher Unterdrückung. [108]

Greers Buch Der weibliche Eunuchen (1970) wurde mit der Anti-BH-Bewegung in Verbindung gebracht, weil sie darauf hinwies, wie einschränkend und unbequem ein BH sein kann. [109] "BHs sind eine lächerliche Erfindung", schrieb sie, "aber wenn du BH-Lesenheit zur Regel machst, unterwirfst du dich nur noch einer weiteren Unterdrückung." [110]

Susan Brownmiller in ihrem Buch Weiblichkeit (1984) vertrat die Position, dass Frauen ohne BHs Männer schockieren und verärgern, weil Männer "implizit denken, dass sie Brüste besitzen und nur sie BHs ausziehen sollten". [111]

Die feministische Autorin Iris Marion Young schrieb 2005, dass der BH „als Berührungsbarriere dient“ und dass eine Frau ohne BH „deobjektiviert“ wird, wodurch der „harte, spitze Look, den die phallische Kultur als Norm postuliert“ beseitigt. Ohne BH sind Frauenbrüste ihrer Meinung nach keine einheitlich geformten Objekte, sondern verändern sich mit der Bewegung der Frau und spiegeln den natürlichen Körper wider. [111] Young argumentierte auch, dass Trainings-BHs verwendet werden, um Mädchen dazu zu bringen, ihre Brüste als Sexualobjekte zu betrachten und ihre Sexualität zu betonen. [111] Sie schrieb 2007, dass Brüste in der amerikanischen Kultur einer „[k]kapitalistischen, patriarchalischen amerikanischen Medien-dominierten Kultur unterliegen, [die] Brüste vor einem so distanzierenden Blick, der erstarrt und beherrscht“, objektiviert. [112] : 31 Die Akademikerin Wendy Burns-Ardolino schrieb 2007, dass die Entscheidung von Frauen, BHs zu tragen, durch den "männlichen Blick" vermittelt wird. [112] : 30–32

Im März 2017 war die Schauspielerin Emma Watson in einem BH ohne Eitelkeitsmesse Foto-Shooting. Sie wurde von einigen kritisiert, die dachten, sie sei eine Heuchlerin, weil sie den Feminismus unterstützt und etwas Haut zeigt. Sie antwortete: „Feminismus bedeutet, Frauen eine Wahl zu lassen. Feminismus ist kein Stock, mit dem man andere Frauen schlagen kann ." [113]

Auswirkungen auf den Verkauf Bearbeiten

1970 betrug der Umsatz mit BHs und Miedern etwa 900 Millionen US-Dollar, gegenüber 1 Milliarde US-Dollar im Vorjahr. Der Umsatzrückgang war jedoch auf stark gesunkene Mieder-Umsätze zurückzuführen, die durch die zunehmende Popularität von Strumpfhosen und kürzeren Röcken negativ beeinflusst wurden. [114]

Hersteller entwickelten und vermarkteten Produkte, die den persönlichen Stolz der Verbraucher ansprachen. Zu den Themen gehörten "Be Some Body with Formfit Rogers" und "Exquisite Form Loves Women in Full Flower". Der Verkauf von BHs stieg stark an. Aber auch BH-Hersteller stellten den Beginn eines Trends fest, bei dem Frauen vor allem beim Entspannen zu Hause oder in einer anderen informellen Umgebung lieber auf BHs verzichten würden. [114]

Bralosigkeit als Protestform Bearbeiten

In den 1960er Jahren machten einige Hippie-Frauen keinen BH, um politische Aussagen über sexuelle Befreiung oder ihre Beziehung zur Natur und ihrem Körper zu machen. [115] Im Jahr 1966, während der Blütezeit der Hippie-Ära in San Francisco, protestierten zwei Studentinnen des San Francisco State College gegen einen Gesetzesentwurf, der vorschreibt, dass Frauen BHs tragen müssen, indem sie in der Nähe des Campus oben ohne gehen. [116] [117] Am 1. August 1969 wurde in San Francisco ein Anti-Bra Day ausgerufen, um gegen den gesellschaftlichen Druck zu protestieren, einschnürende, weibliche Kleidung zu tragen. Der Protest zog große Menschenmengen an, blockierte den Verkehr, und ein paar Frauen zogen im Finanzviertel ihre BHs unter ihrer Kleidung aus. [118] [119]

Bralosigkeit als Mode Bearbeiten

1968, kurz nach dem feministischen Protest gegen BHs und andere weibliche Produkte beim Miss America-Festzug, begann die Schauspielerin Marlo Thomas, in der Fernsehserie zur besten Sendezeit ohne BH zu erscheinen Dieses Mädchen. "Gott hat Frauen geschaffen, um zu hüpfen, also sei es so." Thomas sagte in einem Interview in Guter Haushalt Zeitschrift. "Wenn ich hüpfe, bin ich froh, ein Mädchen zu sein." [120] [121] Am 5. August 1970 schrieb die New York Times, dass „der BH-lose Look einen Brückenkopf in Manhattan geschaffen hat. Im Allgemeinen ist die BH-lose Frau unter 30 und kleinbrüstig. Aber auch Großmütter sind unter den Menschenmassen , ebenso wie C- und D-Cupper – die die meisten Kommentare, sowohl für als auch gegen, von männlichen Oglern erhalten." [122]

1971 brach die Aktivistin und Schauspielerin Bianca Jagger die Tradition und trug zu ihrer katholischen Hochzeit eine maßgeschneiderte Yves St. Laurent Le Smoking Jacke ohne darunter. Die Sängerin, Songwriterin, Model und Schauspielerin Debbie Harry war dafür bekannt, dass sie in den 1970er Jahren ohne BH war. Model und Schauspielerin Jerry Hall gaben im gleichen Zeitraum ein Vorbild, als sie häufig ohne BH fotografiert und in Modemagazinen vorgestellt wurde. [123] [124]

Die Autorin und Social Influencerin Sabina Socol ist dafür bekannt, nie einen BH zu tragen. [125] Sie führt es auf Unbehagen zurück. [126]

Schon als Teenager habe ich gemerkt, dass BHs zumindest für mich unbequem sind. Ich mag es nicht, wenn man sie durch T-Shirts sieht. Es ist mir völlig egal, ob wir meine Brustwarzen oder die Form meiner Brüste sehen können. Wir alle haben sie. Ich finde es nicht beleidigend.

Die jungen weiblichen Charaktere in Lena Dunhams umstrittener HBO-Show Mädchen (2012-2017) waren oft ohne BHs." [1] [127] [128] [129]

Immer mehr Frauen hinterfragen bisher akzeptierte medizinische, physiologische, anatomische und soziale Gründe für das Tragen von BHs. [76] Sie erkennen, dass sie BHs aus psychologischen, ästhetischen oder praktischen Gründen tragen. [130] Eine informelle Bewegung befürwortet Brustfreiheit, Top-Freiheit, BH-Freiheit oder einfach ohne BH. [131] [132] [133] [134] Es gibt eine Vielzahl von Zeitschriftenartikeln und YouTube-Videos, in denen Frauen ihre Motive beschreiben und Anleitungen zum BH-freien Tragen geben. [135] Die Dichterin Savannah Brown aus London veröffentlichte ein YouTube-Video, "sav's guide to going braless", das fast eine Million Aufrufe hat. [136] [137] [138]

Religiöse Themen Bearbeiten

Im Jahr 2009 zwang Somalias radikale islamische Gruppe Al-Shabaab Frauen, mit vorgehaltener Waffe ihre Brüste zu schütteln, um zu sehen, ob sie BHs trugen, was sie als "unislamisch" bezeichneten. [139] [140] Ein Bewohner von Mogadischu, dessen Töchter ausgepeitscht wurden, sagte: "Die Islamisten sagen, die Brust einer Frau sollte von Natur aus fest oder flach sein." [139]

Befreie die Nippel-Kampagne Bearbeiten

Frauen nahmen an der Kampagne „Free the Nipple“ teil, nachdem 2015 ein Film mit diesem Namen gedreht wurde. Sie protestierten gegen die gesetzlichen Verbote und kulturellen Tabus, die mit dem Entblößen weiblicher Brüste an Orten verbunden sind, an denen es für Männer legal ist, oben ohne zu sein. [141] [142] Die Free the Nipple-Kampagne wurde zum Teil durch Doppelmoral und die Zensur von Frauenkörpern in den sozialen Medien ausgelöst. Ihre Befürworter glauben, dass Brustwarzen von Frauen rechtlich und kulturell akzeptabel sein sollten. [143]

In vielen westlichen Ländern nutzten Frauen soziale Medien, um ihre Unterstützung für das Recht zu zeigen, oben ohne oder ohne BH zu sein. In Island trugen während des Free the Nipple Day 2015 einige Studentinnen absichtlich Kleidung, die verriet, dass sie keinen BH trugen, und einige andere entschieden sich für den Tag oben ohne. [144] Teen-Vogue berichtete, dass sich die Free the Nipple-Bewegung anfangs vielleicht darauf konzentrierte, tatsächlich oben ohne zu sein, aber sie hat sich auf die Idee ausgeweitet, unter der Kleidung ohne BH zu sein.Frauen versuchen, die Brustwarze unter der Oberbekleidung, die sie tragen, zu befreien. [145]

Kein BH-Tag Bearbeiten

Ein Auswuchs des Widerstands gegen BHs war die Gründung des No Bra Day im Jahr 2013. Im Jahr 2017 wurde der inoffizielle Tag von Frauen in 30 Ländern begangen, [ Zitat benötigt ] einschließlich Neuseeland, Rumänien, Malaysia, Schottland, Indien und Ghana. [146] [147] [148] [149] [150] Mehr als 82.000 Frauen posteten Bilder auf Twitter und Instagram mit dem Hastag #nobraday. [151]

Stärkung von Frauen Bearbeiten

Einige Medien haben das No-BH-Phänomen mit ausbeuterischen Geschichten genutzt. Die Boulevard-Website TMZ veröffentlichte einen Artikel über "Happy No Bra Day" mit einem Bild von Selena Gomez in einem durchsichtigen Oberteil. Eine andere Seite enthielt eine Fotogalerie mit dem Titel "#NoBraDay: 15 Promis, die mit ihren befreiten Fun Bags herumtollen". [152]

Ob eine Frau einen BH trägt oder nicht, hat sich in manchen gesellschaftlichen Kreisen von Diskussionen über angemessene Kleidung bis hin zu "Bodyshaming und Sexualisierung von Frauen" [153] und einer "gesellschaftlichen Debatte über die Gleichstellung von Mann und Frau, wie sie ihre Körper." [154]

Eine Frau kommentierte: „Der Grund ist, dass ich versucht habe, ohne BH zu sein, und es hat mir besser gefallen. Es war keine politische Entscheidung, außer insofern, als alles, was eine Frau mit ihrem Körper macht, nicht von jemand anderem diktiert werden soll damit zu tun, ist eine politische Entscheidung." [135]

Die französische Journalistin Sabina Socol kommentierte: "Ich habe nie gerne BHs getragen, ich fühlte mich immer darin erstickt." Sie wuchs in einem Haushalt auf, in dem das Tragen ohne BH nicht als sexuell oder tabu angesehen wurde. „Auch als Frau mit Brüsten mache ich mit meinem Körper, was ich will. Jeder Mensch hat Brustwarzen denn die Wahl liegt bei Ihnen." [125]

Im Juni 2017 organisierte Sarah Starks einen Protest in Charleston, West Virginia, als Reaktion auf die gesellschaftliche Erwartung, dass Frauen und Mädchen BHs und Hemden tragen müssen, um andere nicht zu beleidigen oder zu erregen. "Es ist sexuell, weil die Leute sagen, dass es so ist", fügte sie hinzu. Ein Professor für Sozialarbeit an der West Virginia University kommentierte: „Wenn es anderen Menschen unangenehm ist, ist das kulturell und das ist sozial.“ Starks kommentierte, dass Brüste „wie dieser separate, sexuelle Teil von uns sind, und wenn man ernst genommen werden möchte“. als Frau, vertusche sie." [155] Ziel des Protests war es zu zeigen, dass Brustwarzen und Brüste keine Sexualobjekte sind. Einige der Demonstranten gingen ohne BH, andere oben ohne und andere vollständig bekleidet. [156]

Widerstand gegen Trainings-BHs Bearbeiten

In der westlichen Kultur wird der BH manchmal als Ikone der Populärkultur angesehen, [111]: 192, und der Kauf des ersten BHs eines Mädchens wird von manchen als lang ersehnter Übergangsritus zur Frau angesehen, [157] [112]: 36 bedeutet, dass sie erwachsen wird. Das Alter, in dem Mädchen zum ersten Mal BHs tragen, ist manchmal umstritten. [158] [159] In westlichen Kulturen, die großen Wert auf die Jugend legen, werden BHs an Frauen jeden Alters vermarktet, indem deren Fähigkeit betont wird, ein jugendliches Aussehen zu bewahren. [157]

Junge Mädchen können bereits im Alter von 9 oder erst mit 18 beginnen, Brüste zu entwickeln. Das frühe Stadium der Brustentwicklung wird als "Brustknospen" bezeichnet und auf der Tanner-Skala gemessen. [160] Einige glauben, dass Mädchen, die Brüste entwickeln, selbstbewusst sind und sich einen BH wünschen, um ihre entstehenden Brüste zu verbergen und psychologische Bequemlichkeit zu bieten. [161] Ein Mädchen, das Brüste entwickelt, braucht keine körperliche Unterstützung, daher dienen Trainings-BHs nur sozialen und psychologischen Zwecken. BHs aller Art werden oft eher für modische als für funktionelle Zwecke entworfen und vermarktet. [162] Der Trainings-BH wird vermarktet, um jungen Mädchen zu helfen, sich an das Tragen von Dessous zu gewöhnen. [163]

Kritiker von Trainings-BHs sagen, dass Unternehmen den Wunsch sehr junger Mädchen ansprechen, sich sexy und attraktiver zu fühlen. [111] Die Gegner glauben, dass die Hersteller Trainings-BHs vermarkten, um junge Mädchen zu sexualisieren und sie dazu zu bringen, ihre Brüste als Sexualobjekte zu betrachten. [157] Die Kritiker glauben, dass Unternehmen finanziell davon profitieren, dass sie frühreife Sexualität bei Mädchen fördern und ihre Ängste vor Selbstbild und sozialen Normen ausnutzen. [164] [165]

Die Zahl und Vielfalt der rechtlichen Fragen, denen sich Frauen gegenübersehen, ob sie einen BH tragen sollen oder nicht, verdeutlichen die Tiefe und Komplexität des Themas in der Gesellschaft.

Sicherheitsprobleme Bearbeiten

In Chatham, Ontario, Kanada, wurde die Polizei kritisiert, nachdem bekannt wurde, dass eine Frau ihren BH ausziehen musste, während sie sich in einer Haftzelle befand. Ein Richter tadelte die Polizei, nachdem eine in Gewahrsam befindliche Frau vor einem Alkoholtest ihren BH ausziehen musste. Die Polizei erklärte, dass sie von Frauen in Gewahrsam verlangte, alle Gegenstände abzugeben, die als Ligatur verwendet werden könnten - einschließlich Halsketten, Krawatten, Schnürsenkel und BHs -, um sie davor zu schützen, ihre BHs als "Ligaturen zur Selbstverletzung oder Strangulation" zu verwenden. Laut ihrem Anwalt geht die Frau in der Öffentlichkeit normalerweise nicht ohne BH und war "erschrocken und verärgert", als sie ihren BH ausziehen musste. Im Jahr 2013 forderte ein Richter die York Regional Police auf, dieselbe Richtlinie zu ändern. Die Polizei von Vancouver verlangte damals auch von Frauen, ihren BH auszuziehen. [166] Die Polizei änderte daraufhin ihre Richtlinie von einer pauschalen Anforderung zu einer Einzelfallbewertung. [167] In einem ähnlichen Fall in Osaka im Jahr 2017 wurde einer Angeklagten das Tragen eines BHs während der Haft verboten. Die Polizeivorschriften erlauben es Frauen, einen BH für ein Erscheinen vor Gericht zu verlangen, aber ihr Antrag wurde abgelehnt. Ihre Anwälte reichten eine Beschwerde bei der Anwaltskammer von Osaka ein und behaupteten, dass die Verweigerung des Rechts der Frau, einen BH zu tragen, eine "Menschenrechtsverletzung" sei. [168]

Das Recht von Gefangenen, sich zu entscheiden, ob es sich um BHs handelt, wurde 2014 in der Provinz Ontario, Kanada, bekräftigt. [169]

Dresscodes am Arbeitsplatz Bearbeiten

Während einige Arbeitgeber nach wie vor verlangen, dass Frauen BHs tragen, [170] glauben immer mehr Frauen, dass es akzeptabel ist, am Arbeitsplatz ohne BH zu arbeiten. Abhängig von den einschlägigen Gesetzen können Arbeitgeber möglicherweise keine unterschiedlichen Kleidungsstandards für Männer und Frauen verlangen. Im Bundesstaat New York hindern die Menschenrechtsgesetze Arbeitgeber daran, "Stamm- oder Aussehensstandards anzuwenden, die unterschiedliche Anforderungen für Menschen basierend auf dem Geschlecht stellen". [87]

Im Januar 2011 hat ein deutsches Gericht entschieden, dass Arbeitgeberinnen verlangen können, dass Arbeitnehmerinnen bei der Arbeit BHs oder Unterhemden tragen. Eine Flughafensicherheitsfirma argumentierte, dass die Notwendigkeit von BHs unerlässlich sei, "um das geordnete Erscheinungsbild der vom Arbeitgeber bereitgestellten Uniformen zu erhalten". Das Gericht stimmte auch zu, dass das Unternehmen von Mitarbeitern verlangen könnte, ihre Haare sauber zu halten und männlichen Mitarbeitern, sich glatt zu rasieren oder einen gut gestutzten Bart zu pflegen. [171] In Deutschland dürfen Arbeitgeber und Unternehmen im Rahmen der Kleiderordnung von ihren Arbeitnehmerinnen verlangen, einen Büstenhalter zu tragen, und Arbeitnehmerinnen, die keinen Büstenhalter tragen, entlassen. [172]

Akademische Kleiderordnung Bearbeiten

Die Kleiderordnung in Schulen wird zunehmend von Schülern angefochten, die sich Regeln widersetzen, die aufgrund des Gewichts oder des Geschlechts einer Person durchgesetzt werden. BHs sind ein Schwerpunkt unter Studenten, die denken, dass die Codes zu invasiv geworden sind. [173]

Im Jahr 2006 entdeckten die Schulleiter einer Schule in Singapur während des Sportunterrichts, dass einige Mädchen entgegen der Kleiderordnung, die hellgraue, beige oder weiße BHs verlangte, farbige BHs trugen. Den Mädchen wurde befohlen, ins Badezimmer zurückzukehren und ihren BH auszuziehen, der dann beschlagnahmt wurde. Den BH-losen Mädchen war es peinlich, danach gesehen zu werden, besonders von den männlichen Mitarbeitern. [174]

Nach einem schlimmen Sonnenbrand trug die 17-jährige Gymnasiastin Lizzy Martinez im April 2017 ein lockeres, übergroßes, langärmeliges T-Shirt mit Rundhalsausschnitt ohne BH zur Schule. Sie wurde aus dem Unterricht gerufen Dekanats, wo ihr gesagt wurde, sie würde eine "Ablenkung" verursachen. Sie gaben an, dass Jungen sie „angeschaut und gelacht“ hätten und dass sie gegen die Kleiderordnung des Schulbezirks von Manatee County verstoße, obwohl die Kleiderordnung des Bezirks nicht vorschreibe, dass Frauen einen BH tragen. [175] [176] Sie sagte ihnen, dass sie einen Sonnenbrand hatte, und sie verlangten von ihr, ein zusätzliches Hemd zu tragen. Der Dekan sagte ihr, dass ihre Brustwarzen immer noch durch ihr T-Shirt zu sehen seien, und sagte ihr, sie solle sich in der Klinik der Schule Klebebinden besorgen, um ihre Brustwarzen zu bedecken. Die American Civil Liberties Union schrieb einen Brief an den Schulbezirk, in dem sie gegen die von ihnen beschriebene diskriminierende Durchsetzung der Kleiderordnung der Schule protestierte. [175] [177]

Martinez weigerte sich weiterhin, einen BH in der Schule zu tragen, und erklärte: "Ich trug ein Hemd, das mir ein männlicher Freund geschenkt hatte, und ich bin mir zu 100 Prozent sicher, dass er keinen BH trug, als er ihn unzählige Male in der Schule trug." [178] Martinez sagte: "Wenn die Jungen in meiner Klasse so abgelenkt waren, hätte man sie nicht ansprechen und über die Situation aufklären sollen und nicht, dass ich aus der Klasse gezogen wurde?" [179] Sie organisierte zwei Wochen später einen "Bracott", bei dem sie Schülerinnen ermutigte, ohne BH zur Schule zu gehen oder ein Hemd mit einer unterstützenden Botschaft zu tragen. [178] [180] Während des Protests trugen etwa 30 Studentinnen keine BHs, und mehrere Studenten markierten ihre Rucksäcke mit Klebebinden in Form eines X. [175] Universitätsprofessorin Meredith Harbach, die geschrieben hat über Sexualisierung und Kleiderordnung an öffentlichen Schulen, [181] sagte, dass die Schule "diese Vorstellung untermauert, dass ungezügelte Brüste sexuell sind und wahrscheinlich Störungen verursachen und andere Schüler ablenken". [175]

In Montana wurde die Seniorin Kaitlyn Juvik der Helena High School am 25. Mai 2016 gerügt, weil sie ein schulterfreies schwarzes Oberteil ohne BH trug. Sie hatte ein Jahr zuvor aufgehört, einen BH zu tragen. Ihr wurde gesagt, dass sie männlichen Studenten und Mitarbeitern ein "unwohles Gefühl" bereiten würde. Das Schulhandbuch schreibt keine BHs vor, verbietet jedoch den Schülern, einen BH-Träger zu zeigen. [182] Der Direktor bestand darauf, dass es nicht darum ging, ob sie einen BH trug, sondern ihr Kleid, das andere unbehaglich machte und ihn dazu veranlasste, sie zu bitten, sie "zu vertuschen". Eine Freundin von ihr erstellte zu diesem Thema eine Facebook-Seite namens No Bra, No Problem, die schnell über 1.200 Mitglieder anzog. [183] ​​Ungefähr 300 Mitschüler protestierten mit ihr gegen ihre Behandlung, indem sie am 27. Mai ohne BH die Schule besuchten. Mehrere männliche Studenten trugen BHs vor ihren Hemden, um den Protest zu unterstützen. Die Reaktion der Schule und ihr Protest erregten internationale Aufmerksamkeit. [184] [185] Juvik stellte fest, dass die Frage, ob Frauen einen BH tragen oder nicht, größer ist als die Frage, ob eine Frau ein Kleidungsstück trägt. Sie erzählte Menschen, dass es um "die Körperbeschämung und Sexualisierung von Frauen" gehe. „Das Tragen eines BHs ist eine persönliche Entscheidung. Es ist mein Körper. Warum geht es andere etwas an, ob ich einen BH trage, besonders wenn ich bedeckt und angemessen gekleidet bin?“ [153] [184] [186] Sie erstellte eine Instagram-Seite "Krieger ohne BH", die innerhalb weniger Wochen Zehntausende Abonnenten anzog. [ Zitat benötigt ]

Highschool-Mädchen in Quebec begannen im März 2018, gelbe Quadrate auf ihrer Kleidung zu tragen, um gegen eine „restriktive und sexistische“ Schulkleidungsordnung zu protestieren. Studentinnen forderten das Recht, auf BHs zu verzichten. Célestine Uhde, eine von vier Studenten, die den Protest organisierten, schrieb, dass BHs unbequem sein können. Die Studenten "starteten die Bewegung, um die Kultur der Vergewaltigung und Hypersexualisierung zu bekämpfen. Wir wollen die Gleichstellung von Männern und Frauen sowohl in unserer Behandlung als auch in der Weltanschauung unseres Körpers." Sie sagte: "Wir als Frauen sollten nicht wegen unseres Körpers erniedrigt werden." [173]

Vor der strikten Durchsetzung des Hays-Kodex Mitte 1934 war die Schauspielerin Carole Lombard ebenso wie Jean Harlow immer ohne BH. [187] [188] [189] Viele vorgefertigte Filme waren durch sexuelle Energie gekennzeichnet, einschließlich Szenen von Frauen, die offensichtlich ohne BH waren. Nachdem der Kodex durchgesetzt wurde, wurde die Bralosigkeit erst in den 1960er Jahren wieder im Film gezeigt. [190] [191]


Urin-Mundspülung

Während wir uns alle nach einem Satz Perlweiß wünschen, sind wir uns sicher, dass keiner von Ihnen so weit gehen würde wie diese alten Römer. Wohlhabende Römer würden ihre Zähne aufhellen, indem sie ihren Mund mit Urin ausspülten.

Urin-Mundspülung

Warte, es wird seltsamer. Nicht irgendein alter Urin, sondern der Urin von Portugiesen, da er als der stärkste der Welt galt. Die Römer hatten Recht, da Ammoniak im Urin als wirksames Desinfektionsmittel verwendet werden kann, aber wir haben immer noch keine Ahnung vom portugiesischen Teil.


Wie hat sich "Goth" von einem germanischen Stamm in spätrömischer Zeit zu einer Ästhetik entwickelt, die unter anderem düstere Musik, stilisierte viktorianische Mode, alte Gebäude und Punk verbindet.

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Also habe ich diese Frage vor einiger Zeit beantwortet: hier.

Und eine sehr gute Erklärung ist es!

Folgefrage zu denen, die den neuen Stil abstoßend fanden.

Wissen wir, ob dies eine allgemeine Meinung der Massen war oder eher saure Trauben von anderen Kirchenführern / Adeligen, die ihre zuvor spektakulären Kathedralen überschattet sahen?

Ich habe diese Frage bereits beantwortet, also füge ich einfach meine Antwort ein:

Es beginnt mit der gotischen Architektur, obwohl dies eher ein Nebenschritt ist. Die gotische Architektur, die vom Hochmittelalter bis zur Renaissance entwickelt und genutzt wurde, zeichnete sich durch einen Eindruck von Enge und Höhe aus. Bauten im gotischen Stil wurden höher und schmaler als früher, romanische durch die Verwendung der schlanken und spitzen Gotik oder Spitzbogen, Gruppen schlanker Säulen und Strebebögen (im Grunde das Skelett eines Bogens, der senkrecht zu einer Wand steht, um sie zu tragen). In der Frühen Neuzeit wurden die Geistes- und Wissenschaften des Mittelalters – damals als wildes "dunkles Zeitalter" zwischen den aufgeklärten Epochen des Römischen Reiches und der klassisch inspirierten Renaissance verstanden - typischerweise auf einer Skala von "völlig barbarisch" , aber immer noch barbarisch", und als Batty Langley schrieb Antike Architektur, restauriert und verbessert Im Jahr 1742 wurde dieser Stil als "grob" und "ohne" angesehen und musste rehabilitiert werden, wo wir heute wichtige technische Meisterleistungen aufweisen von den (siehe?) Westgoten.

Als sich jedoch die Liebe zur klassischen Kunst und Architektur Ende des 18. "Gothic" bekam eine neue Konnotation. Zum Beispiel Richard Hurd's 1762 Briefe über Ritterlichkeit und Romantik beschrieben Edmund Spenser's Die Feenkönigin, geschrieben und veröffentlicht am Ende der Regierungszeit von Königin Elizabeth I., als "Gothic Poem". Die Engländer begannen, die Gotik als eine Epoche zu betrachten, die von Ritterlichkeit und Romantik geprägt und besonders wichtig für die Geschichte ihres Landes war.

Und es wurde auf jeden Fall wiederbelebt. In der Architektur wurde der gotische Stil seit der Zeit von Langley verwendet (dafür schrieb er - er veröffentlichte auch ein Buch mit Entwürfen für gotische Architektur und Innenarchitektur) und explodierte in den frühen Jahren neunzehnten Jahrhundert. Die Lake Poets, angeführt von William Wordsworth, Samuel Taylor Coleridge und Robert Southey, ließen sich von der Literatur des Mittelalters und der englischen Renaissance inspirieren und wurden manchmal als Dichter der "zweiten Gotik" bezeichnet. Sir Walter Scott hat die Faszination für das Mittelalter sowohl in der Belletristik als auch in der Poesie früh angenommen. Die Lage des letzten Spielmanns (1805) und Die Dame des Sees (1810), spielten im sechzehnten Jahrhundert in Schottland, und er schrieb auch eine Reihe historischer Romane. Ich muss auch erwähnen, dass sich die Damenmode vom Neoklassizismus entfernte und viele Verweise auf mittelalterliche und Renaissance-Kleidung mit aufgeschlitzten Ärmeln, gestärkten weißen Halskrausen und volleren Röcken aufwies. Außerhalb Englands reagierten andere auf die gleichen Impulse gegen die neoklassische Rationalität: die deutschen Sturm und Drang, die amerikanische Hudson River School und transzendentalistische Philosophen.

All dies zusammen – die historischen Schauplätze und Bezüge und die Liebe zur ungezähmten Natur – wird auch als Romantik bezeichnet. Die gotische/romantische Kunst war üppig und wilde Romane waren voller Aufregung, die moderne Menschen, die in der prosaischen industriellen Revolution lebten, fühlten, dass sie aus der Welt verschwunden waren. Diese Bewegung sah auch die Erfindung des historische Nachstellung: 1839 veranstaltete der Earl of Eglinton ein komplettes mittelalterliches Turnier, und einige Jahre später veranstalteten Königin Victoria und Prinz Albert ein bal kostüm wo sich das Paar als Philippa von Hainault und Edward III verkleidete und die Gäste ermutigte, sich auch aus der gleichen Zeit zu kleiden.

Die Romantik verlor an Popularität und kehrte nicht wieder zurück, bis Mitglieder der Hippie-Gegenkultur in den späten 1960er Jahren lange, fließende Röcke, Bauernblusen und lange Haare sowohl bei Männern als auch bei Frauen übernahmen. Dies wurde bald von der Modeindustrie übernommen, was in den frühen 1970er Jahren zu einem Mainstream-Ansatz führte. (Denken Sie an Laura Ashley und Gunne Sax, Krawatten und Ascots, diese Herrenhemden mit Rüschen auf der Vorderseite.) Die neuen Romantiker der 1980er - Spandau Ballet, Boy George, et al. - dann auf die Spitze getrieben, ebenso wie Vivienne Westwood in ihrer 1981er "Pirate" -Kollektion mit "puffy Shirts" und Jacken im Stil des 18. Jahrhunderts.

Ein weiterer Aspekt der Romantik, der bis zum Ende des 19. Jahrhunderts andauerte, war das Interesse am Dunklen, Geheimnisvollen und Übernatürlichen. Mary Shelley's Frankenstein (1818) zum Beispiel ist eine klassische Gothic-Horrorgeschichte Der Mönch (1796) und Die Geheimnisse von Udolpho (1794), zwei Gothic-Romane, auf die in Jane Austens Gothic-Parodie verwiesen wird Northanger Abbey, waren ebenfalls Klassiker des Genres und zeigten böse Schurken, verfolgte Unschuldige und viele unglaubwürdige, aber aufregende Situationen, die in dunklen Schlössern passierten. Dies ist die Bedeutung von "Gothic", aus der die Goten des 20. Jahrhunderts schöpften.

Die moderne Gothic-Subkultur begann mit Gothic-Rock-Künstlern und -Fans, einem Ableger des Punks, der 1979-80 begann und sich dann mit dem Stil der Neuen Romantiker verbindet - wie Gothic Rock und Punk, sowohl eine musikalische als auch eine modische Bewegung . Gothics, die aus viktorianischer Kleidung gezogen wurden, trugen schwarze PVC-Korsetts, Samt, Spitze und hohe Stiefel, sie fügten auch viele Kreuze in Schmuck und Tätowierungen hinzu, zerrissene Netzstrümpfe und natürlich eine starke Verwendung von blasser Grundierung und schwarzem Make-up, nichts davon waren im neunzehnten Jahrhundert wirklich in Gebrauch. Moderne Gothics sind eine postmoderne Pastiche der Menschen, die an der literarischen Gothic-Bewegung beteiligt sind, viele Schritte von den ursprünglichen alten Europäern entfernt.

Zum Weiterlesen möchte ich vorschlagen Gothic to Gothic: Romantische Mode und ihr Vermächtnis - leider vergriffen, aber da es sich um einen Katalog aus einer Ausstellung im Wadsworth Athenaeum handelt, ist er es wunderschönen. Vielleicht gefällt Ihnen auch Valerie Steele's Gothic: Dunkler Glamour.


Biografie

Name: Peter Lindbergh (geboren Brodbeck)
Nationalität: Deutsch
Genre: Mode, Porträt, Kommerziell
Geboren: 23. November 1944 in Leszno, Polen
Gestorben: 03. September 2019 (74 Jahre in Paris)

Wer ist Peter Lindbergh?

Er ist der Lieblingsfotograf von Meghan Markle, Donna Karan sagt, er sei ein Teil der Familie und Nadja Auermann behauptete, er habe einem immer das Gefühl gegeben, die schönste Frau der Welt zu sein.

Lindbergh hat mit unzähligen Modedesignern zusammengearbeitet und seine Arbeiten wurden in den weltweit führenden Magazinen wie Vogue, Vanity Fair und Harper’s Bazaar veröffentlicht.

Obwohl er die größten Stars der Welt fotografiert hat, darunter Lady Gaga, David Beckham, Kate Winslet und Rihanna, ist Lindbergh vielen wahrscheinlich am besten als die Person bekannt, die für das Supermodel-Phänomen verantwortlich ist.

1988 fotografierte er als Chefredakteur der amerikanischen Vogue das erste Cover von Anna Wintour. Anschließend drehte er das ikonische Januar-Cover der britischen Vogue, auf dem die Supermodels Cindy Crawford, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz und Christy Turlington zum ersten Mal zusammen posierten.

Dieses berühmte Bild wurde später als „Geburtsurkunde der Superhelden“ bekannt und besiegelte Lindberghs legendären Status in der Welt der Modefotografie.

Lindbergh würde dann weiterhin einige der besten Fotos der Branche entwickeln.

Er definierte die Schönheitsstandards in der Mode neu und weigerte sich, sich der glänzenden, retuschierten Perfektion zu beugen, die heute Werbung, Zeitschriften und soziale Medien durchdringt.

Als einer der produktivsten Fotografen seiner Generation anerkannt, war Lindbergh ein Fotograf, der sowohl den Kurs der Modefotografie als auch die künstlerische Darstellung von Frauen für immer veränderte.

Frühen Lebensjahren

Er wurde am 23. November 1944 als Peter Brodbeck als Sohn deutscher Eltern Katharina und Werner in Leszno, Westpolen, geboren. Als er 2 Monate alt war, marschierten russische Truppen ein und seine Familie musste nach Westen fliehen und ließ sich in Duisburg, einer kleinen Industriestadt in Norddeutschland, nieder

Nach dem Krieg wurde sein Vater Verkäufer in einer süßen Firma. Seine Mutter, eine talentierte Opernsängerin, war für Peter und seine älteren Geschwister eine Hausfrau.

Aus einem Teil Deutschlands nahe der niederländischen Grenze kommend, verbrachte er seine Sommerferien an den Stränden der Küstenstadt Noordwyk in den Niederlanden. Diese weiten Strände und die industrielle Kulisse seiner Heimatstadt sollten seine Arbeit im Laufe der Jahre beeinflussen.

Wir hatten kein Geld. Wir hatten drei kleine Etagen, für fünf Personen. Duisburg war der schlimmste industrielle, depressive Teil Deutschlands. Aber es war großartig. Wir hatten nichts, aber ich habe nichts vermisst, also war das in Ordnung.

Peter Lindbergh – The Guardian, 2016 (Großbritannien)

Mit vierzehn verließ Lindbergh die Schule, um als Schaufensterdekorateurin zu arbeiten. Vier Jahre lang war er für lokale Warenhäuser in Duisburg, Karstadt und Horten tätig.

Um dem Militärdienst zu entgehen, erklärte er dem Wehrdienstoffizier seine Absicht, nach Luzern zu ziehen, der von seinen eigenen guten Erinnerungen an die Schweizer Stadt mitgerissen wurde. 1962 zog Lindbergh für acht Monate in die Schweiz. Anschließend kehrte er nach Deutschland zurück und ließ sich in Berlin nieder.

Auf der Suche nach Van Gogh

In Berlin arbeitete er nachts in einer Fabrik und verbrachte den Tag damit, zu überlegen, was er mit seinem Leben anfangen sollte.

Während dieser Zeit wurde er von den Künsten fasziniert und verbrachte seine Freizeit damit, Galerien zu besuchen. Da entschloss er sich, Abendkurse an der Berliner Akademie der Bildenden Künste zu besuchen und seiner Leidenschaft nachzugehen.

Schon bald beschloss er, in die Fußstapfen seines Idols Van Gogh zu treten und nach Arles in Frankreich zu gehen, um sich selbst zu entdecken.

Bevor ich nach Arles reiste, besuchte ich Abendkurse an der Akademie der Bildenden Künste in Berlin. Am Ende des zweiten Semesters hatte ich einen Streit mit meinem Lehrer: Seine Philosophie war, dass ein Maler zunächst naturgetreu malen muss. Ich dachte, und ich muss zugeben, dass ich noch sehr jung war, dass dies eine große Zeitverschwendung und völlig nutzlos wäre. Das war der Moment, in dem ich mich entschloss, von Berlin nach Arles zu trampen, sicher, dass ich mehr lernen konnte, wenn ich die gleiche Luft wie Van Gogh 75 Jahre zuvor atmete.

Die Pilgerreise eines Künstlers

Vormittags arbeitete er auf einem Bauernhof, nachmittags malte er und verkaufte seine Arbeiten auf den Märkten, um Geld zu verdienen. Nach acht Monaten machte er sich wieder auf den Weg und trampte durch Europa und Nordafrika.

Ich bin mit 19 aufgebrochen, um durch Europa zu trampen. Das Fernweh der Romantiker. Stil des 19. Jahrhunderts! Ich durchkämmte Italien und kam nach Arles, weil ich meine Zeit dort verbringen wollte, wo Van Gogh gelebt und gemalt hatte. Ich war acht Monate dort. Ich wohnte auf einem Bauernhof, der örtlichen Jugendherberge, das kostete 1,5 Franken am Tag. Ich konnte es mir nicht leisten! Ich bezahlte meine Unterkunft, indem ich morgens in den Weinbergen arbeitete. Die Farm befand sich hinter der berühmten Brücke, die von Van Gogh gemalt wurde. Und die restliche Zeit schaute ich zu…

Schließlich kehrte er nach Deutschland zurück. „Ich war ungefähr 20. Ich war verloren für die Gesellschaft: Gras rauchen, draußen schlafen. Zwei Jahre unterwegs sind lang. Das ist viel Zeit zum Nachdenken. Es hat mich zu einem anderen Mann gemacht.“

Lindbergh schrieb sich an der Kunsthochschule Krefeld ein und setzte sein Studium fort. Beeinflusst von Joseph Kosuth und der Konzeptkunstbewegung wurde er vor seinem Abschluss (1969) eingeladen, seine Arbeiten in der renommierten Avantgarde-Galerie Denise René zu präsentieren.

1971 sollte Lindbergh Künstler werden, bis er zum ersten Mal die Fotografie entdeckte.

Fotografie-Karriere

Mein Bruder hatte wundervolle Kinder und ich wollte sie fotografieren. Ich habe mir eine kleine Minolta gekauft. Ich war 25 Jahre alt und hatte noch nie eine Kamera benutzt.

Lindbergh erfuhr durch einen Freund eines Freundes von einer Stelle als Assistentin eines Fotografen namens Hans Lux.

Ich habe den Assistentenjob nicht bekommen, weil ich qualifiziert war, sondern weil ich ein Freund eines Freundes von Hans Lux war, einem Fotografen in Deutschland, der Werbung, Kataloge, Stillleben gemacht hat – jede Art von Bild, was auch immer reinkam. Hans zeigte mir Balcar-Stroboskope in seinem Studio, und ich erinnere mich, dass ich total erstaunt war, dass jemand auf diese Weise Lichter benutzte.

Amerikanisches Foto, 2003 (USA)

Er war ein Werbefotograf ohne Ehrgeiz, aber ein sehr menschlicher Typ. Er hat mir alles gezeigt, ich wusste nichts und in anderthalb Jahren habe ich das Wesentliche entdeckt. Die Zusammenarbeit mit ihm war mir sehr wichtig. Danach hatte ich keine Barrieren, keine Skrupel, wenn ich mich, wenn ich Richard Avedons Assistent gewesen wäre, vielleicht zurückgehalten hätte.

L’Express, September 2016 (Frankreich)

Er arbeitete 18 Monate als Assistent für Lux, bevor er 1973 sein eigenes Studio in Düsseldorf eröffnete.

Während dieser Zeit änderte er seinen Namen in Lindbergh, nachdem er erfahren hatte, dass ein anderer Fotograf mit demselben Namen in derselben Stadt arbeitete. Er fand den Namen Lindbergh im Verzeichnis und der Rest war Geschichte.

Frühe Periode

Nach anderthalb Jahren dachte ich, ich könnte alleine ausgehen. Ich habe mir ein kleines Studio in einem Loft in Düsseldorf gebaut. Ich wollte Werbefotograf werden. Es war das einzige, was ich wusste. Sehr schnell – innerhalb eines Jahres – wurde ich in Deutschland bekannt und bekam in drei Jahren das meiste Geld aller deutschen Werbefotografen. Ich sagte: ‚Mein Gott, was ist los?‘

Eine meiner ersten Werbekampagnen war für Samson, den Tabak, bei dem man sich die Zigaretten selbst dreht. Ich ging nach Amsterdam und ging zu Leuten auf der Straße, die Zigaretten drehten, und fotografierte sie. Der Stil war total Reportage und nicht inszeniert. Ich weiß nicht, warum ich die Fotos so machen wollte. Im Grunde fand ich inszenierte Bilder einfach nur dumm.

1977 bekam ich einen Anruf von einem berühmten deutschen Art Director, Willy Fleckhaus – einer Art Deutscher Alexey Brodovitch. Er sagte: „Ihre Bilder sind sehr redaktionell. Willst du für mich arbeiten und Geschichten schreiben?“ Also habe ich eine Modegeschichte über den Pariser Designer Kenzo gemacht und Willy hat mir zehn Seiten im Magazin Moda & Vonen besorgt. Ich habe diese Geschichte völlig unschuldig gemacht – ich hatte keine wirkliche Kultur in der Fotografie. [Ich] kannte ein bisschen die Arbeit von Hans Feurer, Penn und Avedon, aber das war alles, was ich wusste. Ich habe mir einen Hintergrund gemacht, einen 4×8 Meter großen bemalten Stoff, einen mit kleinen Flecken, sehr pointillistischen Flecken, wie körniger Film – und habe dieses für die Zeit anscheinend ungewöhnliche Zeug gedreht.

Amerikanisches Foto, 2003 (USA)
Stern-Magazin

Danach rief das Stern-Magazin an und sagte: „Gehen Sie nach Paris und berichten Sie über die neuen Kollektionen – wir geben Ihnen 14 Seiten. Einfach im gleichen Stil fotografieren.” Ich habe das gemacht und es war eine spektakuläre Geschichte. Marie Claire sah es und gab mir einen mündlichen Vertrag mit den Worten: „Zieh nach Paris und mache jeden Monat etwas mit dir.“ Ein paar Monate später bin ich umgezogen.

Amerikanisches Foto, 2003 (USA)

1978 begann Lindbergh für Stern, das deutsche Pendant zu Life und Paris-Match, zu arbeiten und schloss sich anderen Stern-Fotografen an, darunter Helmut Newton, Guy Bourdin und Hans Feurer in den internationalen Glossen.

Nachdem seine ersten Modefotos veröffentlicht wurden, wurde Lindbergh von Angeboten von Moderedakteuren aus aller Welt überflutet, beeindruckt von der Spontaneität und dem Reportagegefühl seiner Bilder.

Lindbergh trifft Paris

Als er und seine erste Frau Astrid in den gehobenen Düsseldorfer Stadtteil Oberkassel ziehen wollten, fragte er sie, ob es ihr in Oberkassel gefalle. Seine Frau zögerte. “Wie ist es mit Paris?” er antwortete. Sie nickte leicht. Der Umzugswagen war am nächsten Tag gebucht und kurz darauf zogen sie nach Paris um.

Einmal in Paris, fotografierte er ein Model, das eine Zeitung mit der Schlagzeile “Lindbergh hits Paris” (eine Schlagzeile von Charles Lindberghs erstem transatlantischen Alleinflug ohne Zwischenstopp) in der Hand hielt.

Es hatte viele Jahre gedauert, bis Lindbergh sich als Top-Fotograf etablierte, aber nun war er endlich auf dem Weg und die Modefotografie würde nicht mehr dieselbe sein.

Hier sind 5 der ikonischsten Bilder von Peter Lindbergh.

Peter Lindberghs berühmte Fotos

Die weißen Hemden – 1988

Das Lustige ist, dass alle auf das britische Vogue-Cover von 1990 mit den fünf Mädchen verweisen, als der Moment, als die Supermodel-Ära begann, aber es geschah tatsächlich zwei Jahre zuvor, als wir die Weißhemd-Bilder für die amerikanische Vogue machten.

Ich traf Alexander Liberman und er sagte: „Sie sind ein junger Fotograf, warum also sagen Sie mir, dass Sie nicht für die amerikanische Vogue arbeiten möchten? Wir sind das führende Modemagazin.“ Ich sagte: „Ich kann mich nicht mit deinem Frauenbild vergleichen – das perfekte Make-up, die perfekten Haare, immer in der schönsten Wohnung. Das ist nicht mein Gefühl einer Frau.“ Und er sagte: „Okay. Mach eine Geschichte und bring mir ein paar Bilder von dem, was du denkst, eine Frau sein könnte.”

Ich ging mit einer Redakteurin, Carlyn Cerf du Dudzeele, nach L.A.. Das erste Problem war mit der Mode. Ich sagte: „Lasst uns eine großartige Besetzung von Models zusammenstellen und sie alle in weiße Hemden stecken.“ Wir waren mit Tatjana Patitz, Linda Evangelista, Christy Turlington, Karen Alexander, Rachel Williams und Estelle Hallyday am Strand [Santa Monica] und ich habe sie ganz natürlich fotografiert. Ich liebe die Bilder immer noch.

Ich kam zurück nach New York und alle sahen sich nur an und sagten: "Hmm, es ist großartig." Sie wussten nicht, was sie mit ihnen anfangen sollten. Die Bilder wurden in einer Geschichte darüber, wie Haare am Strand locker sein konnten, klein.

Amerikanisches Foto, 2003 (USA)
Das wichtigste Foto der 󈨔er Jahre

Sechs Monate später trat Anna Wintour die Nachfolge von Grace Mirabella als Chefredakteurin des Magazins an und entdeckte die Beweise in einer Schublade.

Wintour beauftragte Lindbergh im November 1988, das Cover ihrer Debütausgabe zu fotografieren, in der das israelische Model Michaela Bercu in einem kurzen Christian Lacroix-Pullover und Stonewashed-Jeans mit halb geschlossenen Augen lächelt und den Kopf von der Kamera abwendet.

Es war die erste Jeans, die auf dem Cover der Vogue zu sehen war, und war für die damalige Zeit eine Offenbarung. Sie stellte auch Lindberghs ‘White Shirts’-Fotos in der Ausgabe vor.

Ein paar Jahre später fügte Wintour das Foto von ‘White Shirts’ hinzu, Am Rande: Bilder aus 100 Jahren Mode (1992) nennt es “das wichtigste Foto des Jahrzehnts.”

2014 kürte die Vogue Lindberghs Foto mit den Supermodels in weißen Hemden zum besten Bild der Achtziger.

Das Model, an das ich immer gedacht hatte, waren meine Freundinnen von der Kunstschule in Jeans, T-Shirt und Tennisschuhen. Praktische Frauen, die Pläne und Ambitionen im Leben hatten. Ich habe den Strand gewählt, weil es eine flache und einheitliche Kulisse ist, die es mir ermöglicht, mich auf das zu konzentrieren, was mich an einer Frau wirklich interessiert: das Gesicht.

Peter Lindbergh – Vogue Italien, 2017

Die Supermodels – 1990

Es ist schwer zu definieren, wann die Ära des Supermodels offiziell begann, aber die Rolle von Peter Lindbergh darin ist unbestreitbar.

Wenn Sie an ein Bild der berühmtesten Supermodels der 90er Jahre denken, denken Sie zweifellos an ein Lindbergh-Foto.

Alles begann mit dem Foto, das er für die amerikanische Vogue von den Models in weißen Hemden am Strand von Santa Monica in 󈨜 aufgenommen hat.

Als nächstes kam sein britisches Vogue-Cover.

Für die britische Vogue rief Liz Tilberis an und sagte: "Ich möchte, dass Sie das Cover vom Januar 1990 machen und etwas tun, das ausdrückt, was Ihrer Meinung nach in den 90er Jahren sein wird." Also nahm ich die fünf Mädchen – Linda, Christy, Tatjana, Naomi und Cindy – und das wurde die Geburtsurkunde der Supermodels. Das war der Stempel für die Ära – das Cover der britischen Vogue.

Peter Lindbergh – Interview Magazin: Das Auge, 2013

Bekannter als Filmstars

Das Titelbild der Januarausgabe 1990 der britischen Vogue bleibt eines der ikonischsten Modefotos der Geschichte und gibt den Ton für das kommende Jahrzehnt an.

Lindbergh hat Linda, Naomi, Cindy, Tatjana und Christy zusammengebaut und in Downtown Manhattan fotografiert. Es war das erste Mal, dass die fünf zusammen auftraten und es läutete eine neue Ära für Supermodels ein.

Ich hatte einfach keine Ahnung, dass das Geschichte schreiben würde. Darüber habe ich keine Sekunde nachgedacht. Ich habe nicht einmal etwas gemacht, nur ein bisschen Licht verwendet. Es kam einfach ganz natürlich, mühelos. Wir hatten nicht das Gefühl, dass wir die Welt verändern würden, es war alles Intuition.

Peter Lindbergh
Freiheit

George Michael sah das Foto und besetzte die fünf Supermodels in seinem Freedom! 90er Musikvideo, die ihren Status als bekannte Namen festigen.

Ich hörte George Michael sagen, es sei das schönste Frauenbild, das er je gesehen habe. Komisch, ich habe George Michael noch nie getroffen.

Peter Lindbergh

Damals hatte ich keine Ahnung, dass es so legendär werden würde. Vogue-Redakteurin Liz Tilberis hatte Peter Lindbergh gebeten, die neue Frau der Neunziger zu fotografieren. Peters Antwort war, dass er es nicht mit nur einer Frau machen könne. Die Vorstellung von Schönheit habe sich erweitert, sie könne weder mit einem blonden, blauäugigen Mädchen noch mit einer sexy Brünetten zusammengefasst werden, sagte er ihr. Es lag eine Veränderung in der Luft und Peter und Liz nahmen das wahr. Wir wurden nicht mit einer Tonne Haare und Make-up fotografiert, wir waren ziemlich rückgängig. Aus den Achtzigern zu kommen, die nur aus großen Haaren und hochgesteckten Brüsten bestanden, fühlte sich erfrischend und neu an. Und ich liebte das Styling, diese kleinen Giorgio di Sant’Angelo Bodys mit unseren Levi’s.

Cindy Crawford – Vogue: Das Vogue-Supermodel-Cover (2016)

Für Lindbergh repräsentierten die Modelle die ehrgeizige, kraftvolle und freie Frau, die er erstmals 1987 mit Alexander Liberman artikulierte.

Durch Lindberghs Linse waren sie Heldinnen ihrer Zeit, der Zukunft, also „Super“.

Im Jahr 1990 schätzte die Vogue, dass, wenn Sie eines der Supermodels für einen einzigen Tag Werbearbeit buchen wollten, Sie rund 100.000 US-Dollar zurückgeben würden.

Christy Turlington war jedoch außer Reichweite, da sie einen Exklusivvertrag mit Calvin Klein hatte, der angeblich 6 Millionen US-Dollar wert sein soll.

Auf dem Höhepunkt ihrer Begehrlichkeit stieg ihr Vermögen sogar darüber hinaus.

Sie wurden berühmter als Filmstars und dominierten die nächsten fünfzehn Jahre die Titelseiten und die Mode von Zeitschriften.

ET-Geschichte – 1990

Es wurde von Roberta Smith in der New York Times als die allererste narrative Geschichte in der Modefotografie beschrieben und Peter Lindbergh gab selbst zu, dass wenn er sein Lieblingsfoto auswählen müsste, dieses es wäre.

Das Foto zeigt die Schauspielerin Debbie Lee Carrington, die neben dem Model Helena Christensen für Lindberghs italienische Vogue ET-Geschichte von 1990 einen Außerirdischen spielt.

Als ich Helena zum ersten Mal sah, war ich verblüfft. Ich sagte zu ihr, dass ich diese Geschichte im Kopf hatte, in der ich sie haben wollte – aber ich bat sie, drei Monate lang nicht zu arbeiten, damit niemand ihr Gesicht erkenne, wenn es herauskam.

Peter Lindbergh – Telegraph, September 2016 (Großbritannien)
Außerirdische Idee

Die Idee zu der Erzählung stammt aus einem Skywatcher-Magazin, das jemand in einem Wartezimmer des American Hospital in Paris hinterlassen hatte. Dann faszinierten mich die Bilder von UFOs und angeblichen Außerirdischen.

Und dann entdeckte ich, dass Männer die ganze Nacht draußen verbringen, nicht weit von Lockerbie (wo angeblich UFOs und Außerirdische von Wissenschaftlern gesichtet wurden) und mit Ferngläsern alles aufschreiben und versuchen, es zu identifizieren, völlig lächerlich.

[Es war] eine sehr teure Produktion, weil ich die Kostüme speziell anfertigen ließ und keine gewöhnliche Maske wollte, sondern eine, durch die das Gesicht und vor allem die Augen durchkamen. Preis: 8000 Dollar, 1990, huh! Die teuerste Stütze, die ich bis dahin benutzt hatte.

Ich sagte zu Chefredakteurin Franca Sozzani (sie ist die längste Frau meines Lebens): “Ich habe eine fantastische Idee von einem Model und einem Alien, ich brauche nur achttausend Dollar extra für die Maske.” Und Ich weiß genau, was sie antwortete: “Geh, fick dich selbst, Peter. Wir brauchen keine Aliens in der Vogue. Und Sie wissen, wer endlich seinen Willen durchgesetzt hat.

Vogue, Oktober 2016 (Niederlande)
Die Geschichte

ET Story ist eine der besten Fotogeschichten, die jemals veröffentlicht wurden. Die Fotos, die zu seinen bekanntesten gehören, sind einzigartig und verbinden Eleganz und Romantik in einer Hollywood-ähnlichen Erzählung.

Helena Christensen entdeckt einen kleinen Marsmenschen, der irgendwo in der südkalifornischen Wüste mit seinem UFO abgestürzt ist.

Sie fährt ihn nach Los Angeles und zeigt ihm den Santa Monica Pier und den Hollywood Boulevard. Dann nimmt sie ihn mit zu sich nach Hause, einem alten Wohnwagen mitten im Nirgendwo. Er verliebt sich in sie…

Doch der Marsianer empfängt über einen Funksender im Wohnwagen Signale und hat keine andere Wahl, als sich mit seinen Freunden zu vereinen, die verzweifelt versuchen, ihn zu retten.

Wie die meisten Arbeiten von Lindbergh transzendierten die Fotos die Mode und sind heute so zeitlos wie bei ihrer ersten Veröffentlichung. Es war auch Sozzanis Lieblingsmodegeschichte.

Die Wilden – 1991

Für sein berühmtes Foto mit dem Titel ‘The Wild Ones’ trug Lindbergh die Supermodels (Cindy Crawford, Linda Evangelista, Helena Christensen, Tatjana Patisz, Claudia Schiffer, Naomi Campbell, Karen Mulder und Stephanie Seymour) in Motorradjacken, Biker Stiefel und Miniröcke und schoss sie in den damals kargen Seitenstraßen unter der Manhattan Bridge.

Die Editorial-Strecke ‘Wild at Heart’ wurde von Grace Coddington gestylt und wurde von der Biker-Kultur der frühen 󈨞er inspiriert.

Der Titel des ikonischen Fotos stammt aus dem Bikerfilm von 1954, Der wilde in dem Marlon Brando als Johnny Strabler, den ursprünglichen Outlaw-Biker, spielte.

Niemand hat dort gelebt. Es gab keinen einzigen Laden. Ich hatte wirklich das Gefühl, der erste Mensch auf der Welt zu sein, der dort gedreht hat. Überall auf den Straßen liefen nur große Ratten herum.

Peter Lindbergh, WWD-Interview, 1991

Kate Moss für Harper’s Bazaar – 1994

In einem Interview mit dem Fotografen Nick Knight im Jahr 2013 verriet Kate Moss, dass es Peter Lindberghs Fotos mit Linda Evangelista waren, die sie dazu inspirierten, Model zu werden.

Lindbergh und Moss arbeiteten 1992 zum ersten Mal zusammen und schlossen eine enge Freundschaft, die in den nächsten zwei Jahrzehnten an verschiedenen Projekten zusammenarbeitete.

Erstes Bild der Session: Kate arbeitet auf den Feldern, sie zieht Kohl, sie trägt Stiefel. Zum zweiten sitzt sie in der Farm, in der Küche, im Overall. Zuerst war hinter ihr eine Tapete mit Blumen, und ich habe sie entfernen lassen, sie hat mir nicht gefallen. Und ich dachte: “Oh mein Gott, das erinnert mich an jemanden, aber an wen erinnert es mich?” Der junge Mann, der 1951 von Paul Strand in Gondeville (Charente) verewigt wurde.

L’Express, September 2016 (Frankreich)
Ein Star ist geboren

Das Bild in Harpers Bazaar-Geschichte "A Star is Born" war ein zufälliger Klassiker, da Madonna ursprünglich für das Fotoshooting gebucht wurde.

Aufgrund eines Terminkonflikts konnte der Popstar nicht teilnehmen und Moss wurde als Ersatz gebucht.

Im Hintergrund wurde zuerst ein gefälschtes Hintergrundbild verwendet, aber Lindbergh gefiel nicht, wie es aussah und dachte nicht, dass es mit der Handlung zusammenhing. Es wurde entfernt und das Ergebnis war ein weiterer „Lindbergh-Klassiker“.

„Das Bild“ enthüllt den Fotografen (und den Maler) „dahinter“. Genau das ist das Unsichtbare. Ein inverser Schnappschuss in diesen Fotografien, der auf allen hübschen Frauenbildern von Peter wie ein Wasserzeichen auftaucht.

Essay von Wim Wenders (2016)

Jenseits der Modefotografie

Peter Lindberghs Fotografie geht über seine Mode- und Porträtarbeit hinaus. Außerdem war er viele Jahre erfolgreicher Werbefotograf und hat sogar mit Film- und Musikfirmen zusammengearbeitet.

1983 drehte er das Plakat für Tony Scotts Vampirfilm. Der Hunger mit David Bowie, Susan Sarandon und Catherine Deneuve. Er fotografierte auch das Filmplakat für Sprich mit ihr (2002) und Charlotte Ramplings Dokumentarfilm, Der Blick (2011).

Lindbergh fotografierte auch viele Plattencover für Stars wie Beyoncé (Ich bin Sasha Fierce), Sheryl Crow (The Globe Sessions) und Tina Turner (Auswärtige Angelegenheiten).

Spielfilm

Lindbergh versuchte sich an der Bewegung und führte bei mehreren Kurzfilmen und Dokumentarfilmen Regie: Modelle: The Film (1991), Inner Voices (1999), Pina Bausch (2002) und Everywhere at Once (2008).

Modelle: Der Film bietet einen leichteren Einblick in die 󈨞er Supermodels Linda, Cindy, Naomi, Stephanie und Tatjana, während ihre Karrieren zu Beginn der Supermodel-Ära beginnen.

Mehr als ein Dokumentarfilm, Modelle war eine Möglichkeit, besser zu erkennen, wer sie waren, und nicht an der Oberfläche stehen zu bleiben. Sie waren die Models, mit denen ich am häufigsten zusammengearbeitet habe (Christy war damals leider in Thailand) und ich wollte über die Fotografie hinausgehen.

Peter Lindbergh – La Repubblica, November 2016 (Italien)

Sein 30-minütiger Kurzfilm, Innere Stimmen erforschte das Leben eines in LA ansässigen Schauspiellehrers und gewann 2000 den Preis für den besten Dokumentarfilm beim Toronto International Film Festival (TIFF).

Für den Experimentalfilm Überall gleichzeitig, arbeitete Lindbergh mit Holly Fisher an dem Projekt zusammen. Die Geschichte wird durch eine Voice-Over-Erzählung (von Jeanne Moreau) erzählt und besteht aus Lindberghs Fotografien, verwoben mit Ausschnitten aus Tony Richardsons Film, Mademoiselle. Es hatte seine Weltpremiere beim Tribeca Film Festival in New York im Jahr 2008, nachdem es 2007 bei den Filmfestspielen von Cannes uraufgeführt wurde.

Er hat auch Werbespots und sogar Musikvideos für Tina Turner, Vermisse dich und Mika, Letzte Party.

Peter Lindberghs Vermächtnis

Peter Lindbergh verstarb am 04.09.2019 im Alter von 74 Jahren.

Lindberghs Arbeit für Vogue und Harper's Bazaar bis hin zu den Pirelli-Kalendern und Calvin Klein- und Dior-Kampagnen machten ihn zu einem bekannten Namen. Seine eleganten und filmischen Bilder hinterließen nicht nur unglaubliche Spuren in der Foto- und Modewelt, sondern gingen auch in die Populärkultur über.

Ende der 1980er-Jahre wagte Peter Lindbergh das, was zuvor nur wenige Modefotografen getan hatten: Er zeigte Models, wie sie waren.

Seine Bilder von Linda Evangelista, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Christy Turlington und Tatjana Patitz haben die neue Ära der Modefotografie eingeläutet und das gesamte Supermodel-Phänomen in Gang gesetzt.

Seine Kommentare zur Retusche und die Weigerung, sich der digital verbesserten Hochglanzperfektion zu beugen, haben dazu beigetragen, die Modebranche in eine positivere Richtung zu lenken.

Lindbergh hat 10 Bücher veröffentlicht. Sein erstes Buch, 10 Frauen (1996) hat bis 2008 über 100.000 Exemplare verkauft. Er ist auch der einzige Fotograf in der Geschichte von Pirelli, der dreimal für den Kalender fotografiert hat (1996, 2002 und 2017).

Lindbergh hat zweimal an kompletten Ausgaben der Vogue mitgewirkt. Das erste feierte im Oktober 2009 das 30-jährige Jubiläum der Vogue Germany und das andere im Dezember 2010 für Vogue Spain. Bei diesen Projekten arbeitete er mit seinem Assistenten Jethro Gaines zusammen.

Seine Arbeiten wurden in renommierten Museen wie dem Victoria & Albert Museum in London, dem Metropolitan Museum of Art in New York und dem Centre Pompidou in Paris gezeigt.

Der legendäre Fotograf hinterlässt seine Frau Petra, seine erste Frau Astrid, seine vier Söhne Benjamin, Jérémy, Simon, Joseph und sieben Enkelkinder.

Peter Lindbergh’s letzte Fotos

Kraft für Veränderung

Die September-Ausgabe 2019 der britischen Vogue war Lindberghs erstes Cover für das Magazin seit 1992 und sein endgültiger Abschied von der Fotowelt.

Die Ausgabe „Force for Change“ wurde von der Herzogin von Sussex, Meghan Markle, herausgegeben und zeigte Porträts von 15 Frauen, darunter die Schauspielerin Jane Fonda, die Aktivistin Greta Thunberg und das Original-Supermodel Christy Turlington.

Alles roh, alles anders, alles wunderschön fotografiert in Lindberghs charakteristischem Schwarzweiß.

Schwarz und weiß

Für Lindbergh war Schwarzweiß immer mit der tieferen Wahrheit des Bildes verbunden, mit seiner verborgensten Bedeutung.

In diesem Abschnitt können Sie Auszüge aus verschiedenen Interviews mit Peter Lindbergh lesen, die seine Gründe für die Wahl von Schwarzweiß erläutern.

Die Ideen, die mich dazu brachten, mich für Schwarzweiß zu entscheiden, entstanden sehr langsam. Diese Frage wurde mir früher bei jedem Interview gestellt, und zunächst antwortete ich immer, Schwarz-Weiß ist eine Interpretation der Realität, und die Transformation der Realität ist der erste Schritt zur Schaffung von Kunst.

Je mehr ich jedoch fortfuhr, desto mehr dachte ich, dass Schwarzweiß eine Wahrheit, eine Realität darstellte. Aber ich fragte mich, wie das sein konnte – in Wirklichkeit gibt es Farbe.

Das brachte mich zum Nachdenken, und mir wurde klar, dass ich mit all diesen amerikanischen Fotografen wie Dorothea Lange, Walker Evans, Carl Mydans und vielen anderen aufgewachsen war, die für die Farm Security Administration durch die Vereinigten Staaten gereist waren, um die Auswirkungen von die Große Depression. Ihre Bilder wurden in Schwarzweiß aufgenommen und mit der Idee von Wahrheit und Realität verknüpft.

Ich glaube, das hat mich unbewusst an Schwarz-Weiß fasziniert: Man versucht nicht, es hübsch oder schick oder gefällig zu machen – das ist ehrlich.

Peter Lindbergh – Gagosian, Juni 2017

Es ist schwer zu sagen, wann ich eine Leidenschaft für Schwarz-Weiß-Fotografien entwickelt habe. Ich denke, beim Fotografieren von Models oder was auch immer mich am meisten interessiert, ist das Gesicht, die Persönlichkeit. Ich habe oft dieselbe Person im selben Setup mit einer Farbrolle und einer Schwarzweißrolle fotografiert. Dann schaue ich mir die Ergebnisse an. Schwarz-Weiß bringt die Persönlichkeit einfach mehr zur Geltung.

Peter Lindbergh – American Photo, 2003 (Vereinigte Staaten)

Die Supers in Schwarz und Weiß

Die Verwendung von Schwarz-Weiß-Fotografie war wirklich wichtig, um das Supermodel zu erschaffen. Jedes Mal, wenn ich versuchte, sie in Farbe zu fotografieren, weil ihre Schönheit nahezu perfekt war, sah es aus wie eine schlechte Kosmetik-Werbung. Mit Schwarz-Weiß können Sie wirklich sehen, wer sie sind. Es hat die kommerzielle Interpretation, die Farbe gibt, abgeschwächt. Was an Schwarz und Weiß so auffallend ist, ist, wie es wirklich hilft, ein Gefühl für die Realität zu bekommen.

The Observer, 2008 (Großbritannien)

Für mich dringt Schwarz und Weiß durch die Haut, während Farbe an der Oberfläche stoppt. Ich kann in Schwarzweiß besser sehen, und ich kann auf Bildern besser sehen als im wirklichen Leben. Aber ich schätze die Farbe bei anderen Fotografen [Arbeit] wie Mario Sorrenti oder Paolo Roversi, sie ist wunderschön.

Der Unterschied ist, dass Farbe Realität ist und Schwarz-Weiß wahrscheinlich einen kleinen Schritt mehr in Richtung Kunst als Realität. Modefotografie ist in erster Linie Fiktion. Die Fantasie ist alles, denn seit [die Bilder] in deinem Kopf wachsen, konstruierst du etwas zusammen. Dann bekommt man die richtige Person dafür, die richtigen Leute. Man geht an die richtige Stelle, und dann wurden die kleinen Gedanken, die man hatte, zu Bildern – das nennt man Fantasie.

British Journal of Photography: 2016 (Großbritannien)

Arbeiten mit Modellen

Peter Lindbergh macht Bilder von Frauen. Die Klamotten sind einfach da.

Manchmal ist seine Arbeit eine ausgeklügelte Kurzgeschichte, die durch Standbilder erzählt wird. Manchmal ist es nur ein einfacher, offener Schnappschuss.

Eines haben seine Fotos gemeinsam: Man sieht nicht nur die Models und die Mode, sondern die Stärke der Menschen selbst.

Er verwandelte seine Modelle in Heldinnen. Heldinnen, die nicht nur schön waren, sondern auch Persönlichkeit, Intelligenz und Ehrgeiz hatten. Für Lindbergh war Mode immer zweitrangig gegenüber dem Modell und ihrer eigenen einzigartigen Geschichte.

Die Bedeutung des Castings

Wie Lindbergh es ausdrückt, beginnt alles mit den richtigen Modellen:

Das Casting ist der zentrale Punkt meiner Arbeit, denn ich bin kein transformierender Fotograf – ich kann Menschen nur fotografieren, wenn ich sie so akzeptiere, wie sie sind. Ich bin kein Fotograf, der einer Frau ein beliebiges Modell nimmt und sie in das verwandelt, was Sie wollen.

British Journal of Photography, Oktober 2016 (Großbritannien)

Über einen Zeitraum von 10 oder 12 Jahren habe ich mit maximal 10 Modellen gearbeitet. Es gab neue Gesichter, aber es gab diese 10, die alle anderen umhauen würden. Sie haben also mit den gleichen Leuten gearbeitet.

The Eye-Interview mit John Galliano, 2013 (USA)

Lindbergh war dafür bekannt, die natürliche Schönheit seines Models einzufangen und ihre Persönlichkeit durchscheinen zu lassen. Er war offen für Retusche und zog es vor, dass seine Models wenig oder kein Make-up trugen. Er spielte mit sexueller Mehrdeutigkeit und fotografierte oft Frauen in Männerkleidung.

Es gibt eine Branche, die davon besessen ist, alles zu retuschieren und mit Lügen zu füllen. Sie ersetzen wahre Schönheit durch dumme Schönheit. Schönheit liegt für mich im Mut, so zu sein, wie man ist.

Symbol, November 2016 (Spanien)

Die Models wirkten wie echte Menschen und versteckten sich nicht hinter einer Maske. Im Gegensatz zu den meisten anderen Modefotografien, bei denen das Model meist nur als verherrlichte Schaufensterpuppe dient.

Zusammenarbeit

Er bezog seine Models aktiv in den Prozess ein und machte die Erfahrung zu einer kollaborativen Erfahrung, indem er sie ermutigte, ehrlich und natürlich zu sein. Erst lernte er seine Modelle kennen, erst dann konnte er seine besten Arbeiten produzieren.

Lindbergh hat den Erfolg seiner frühen Zusammenarbeit der Tatsache zugeschrieben, dass er auf Film gedreht hat und viel mehr Zeit hatte, echte Beziehungen zu Models aufzubauen, ohne den Druck von Social Media oder digitalen Monitoren.

Wenn Sie eine normale Kamera verwenden, fotografieren Sie und Sie sind allein mit Ihrem Motiv und es schafft Intimität. Es ist nicht in zwei Minuten fertig, weil Sie nicht wissen, ob es großartig ist, also müssen Sie noch mehr tun. Dann hast du viele Bilder. Wenn "es ein bisschen unscharf ist", ist es schöner. Das Verbrechen besteht darin, dass Fotografen mit einem an der Kamera befestigten Kabel zum Fotografieren gedrängt werden und sich mitten im Studio ein Bildschirm befindet, auf den alle schauen. Die Beziehung zu den Models ist zerstört.

Peter Lindbergh – Vogue: Die Geburt der Supermodels 2019 (UK)

Bei einem Shooting raste Peter nie durch den Tag oder hetzte dich durch das Mittagessen. Er kam herein, als du Haare und Make-up trugst. Später würdest du dich hinsetzen, zusammen essen und dich richtig aufholen. Es war die beste Art von Fotoshooting. Er sprach über seine Kinder und zeigte dir Bilder, und so sehr er sich auch als ganzer Mensch zeigte, nicht nur als Fotograf, wollte er dich auch als ganzen Menschen kennenlernen.

Cindy Crawford Vogue: Erinnerung an Peter Lindbergh (2019)
Vertrauen aufbauen

Peter hat mich fotografiert, seit ich 16 Jahre alt bin. Ich fühlte mich in seiner Gesellschaft beschützt und liebte diese atemberaubenden Schwarz-Weiß-Bilder, die die Stärke der Frauen durch ihre Augen ausdrückten. Er war in der Lage, die Seele der Menschen [in einem Bild] einzufangen.

Eva Herzigova Vogue: Erinnerung an Peter Lindbergh (2019)

Als ich das erste Mal mit Peter arbeitete, dachte ich, Gott, er will mich wirklich sehen. Ich musste es lernen. Es ist toll, das zu verstehen. Er mochte es, wenn ich natürlich aussehe und wie ich als Mensch aussehe. Andere Fotografen werden sagen: “Ich möchte, dass du lachst – aber lache nicht wirklich.” Peter würde dich immer zum Lächeln bringen und dir das Gefühl geben, dass es dir egal ist, wenn du ein seltsames Gesicht machst.

Nadja Auermann Vogue Australien, 2019

Seine Models versteckten sich nie hinter Verkleidungen oder verloren sich beim Rollenspiel, sondern öffneten sich emotional seiner Kamera. Die wichtigste Affinität zu Modellen sei Vertrauen.

Ein weiterer interessanter Punkt bei Lindberghs Fotografie ist, dass sie nie erotisch war, auch wenn wir Models teilweise unbekleidet sehen. Lindbergh liebt das Geheimnisvolle und in dem Moment, in dem Sie zu viel zeigen, ist dieses Geheimnis verloren.

Ich habe keine visuelle Vorstellung von Erotik. Normalerweise finde ich Aktfotos, die allgemein als erotisch empfunden werden, langweilig. Für mich hat Erotik mehr mit Mysterium zu tun als mit dem Anstarren auf rohes Fleisch. Es sind die mysteriösen und unentzifferbaren Eigenschaften einer Frau, die erotisch sind.

Kunstforum, 2005 (Deutschland)

Der Meister des Porträts

Lindbergh fotografierte nicht nur die größten Namen der Modebranche, sondern fotografierte auch einige der größten Stars der Welt, darunter Brad und Angelina, Uma Thurman und die Herzogin von Sussex.

Seine intimen und bekanntermaßen unberührten Schwarz-Weiß-Bilder waren reduzierte, filmische Porträts von ungefilterter Schönheit.

Peter war ein außergewöhnlicher Künstler – ein Visionär, der die wahre Essenz einer Person in einem einzigen Bild einfangen würde.

Nicole Kidman

So fotografierst du tolle Portraits

Lindbergh behauptete, dass der Schlüssel zu einem großartigen Porträt darin besteht, eine Beziehung zu dem Dargestellten aufzubauen.

Ich habe vieles lesen müssen, bis ich diese Erklärung gefunden habe. Man fotografiert nicht die Physiognomie eines Gegenübers, sondern die Gefühle der beiden Personen, die beim Fotografieren im Raum waren.

Um eine Beziehung aufzubauen, müssen Sie sie zuerst kennenlernen und jede Art von Einstellung oder Nervosität überwinden.

Aber schüchtern zu sein ist kein guter Weg, um ein Bild zu machen. Sie können nicht zum Fotografieren kommen und sich als Außenseiter fühlen – obwohl Sie gleichzeitig nicht arrogant sein sollten. Wim Wenders sagte einmal, seine Einstellung zu Schauspielern sei: „Ich versuche nicht, dich zu beeindrucken, aber du kannst mich auch nicht beeindrucken.“ Das ist eine Dynamik, auf der man die Beziehung aufbauen kann, weißt du?

The Rake, September 2019 (Großbritannien)

Der Hauptunterschied zwischen Schauspielern und Models besteht darin, dass Schauspieler gelernt haben, nicht in die Kamera zu schauen, die Kamera irgendwie zu vergessen. Während Modelle angewiesen werden, sich damit zu befassen. Manchmal ist es wirklich schwierig, einen Schauspieler dazu zu bringen, in die Kamera zu schauen, man muss ihm helfen.

Alles über Stimmungen

Lachen hat keinen Wert in einem Porträt. Es deckt alles ab, was darunter liegt. Und das ist so viel. Wenn eine Person lacht, ist das alles, was Sie sehen.

Lachen hat für mich keinen Wert in Porträts oder anderen Fotografien, es gibt so viel in Gesichtern zu sehen, die nicht lachen. Wenn jemand lacht, ist das alles, was Sie sehen, und das ruiniert den Rest.Einen lachenden Menschen zu fotografieren, gefällt mir nicht, gut, wenn er lacht, aber für ein Portrait brauche ich all diese vielfältigen schönen Schichten, die von dem, was die Leute Lachen nennen, verdeckt werden.

Ich denke, jeder ist sich selbst näher, wenn er dem Gefühl der Melancholie ausgesetzt ist. Etwas Poetischeres passiert, wenn man die Kontrolle über sich selbst aufgibt und dem Mann mit der Kamera vor einem tiefere Gefühle und Emotionen aussetzt. Der Raum zwischen dem Fotografen und seinem Motiv, das ist das, was Sie fotografieren. Es ist nicht die äußere Knochenstruktur des Gesichts, das Sie fotografieren, sondern der unsichtbare Teil des Motivs, das Sie erfassen, wenn er oder sie bereit ist, ihn Ihnen zu geben…

Warum Schwarzweiß für Portraits

Er zog Schwarz und Weiß der Farbe vor und fing die natürliche Schönheit jedes seiner Motive ein, fast als wären sie in einem in der Zeit gefangenen Moment verloren.

Ich habe Probleme beim Fotografieren in Farbe, weil Farbe anders auf das Licht reagiert. Bei Schwarz-Weiß bekommt man das Gefühl, die Haut zu transzendieren, bis man mit etwas Glück ein kleines bisschen von etwas sieht, was die Seele dieser Person sein könnte, direkt vor der Kamera. Farbe scheint den Transzendierungsprozess direkt an der Hautoberfläche zu stoppen. So seltsam das für Sie klingen mag, für mich ist es sehr real.

Gagosian Quarterly, Juni 2017

Die Kunst der Geschichte

Lindbergh ist einer der ersten Fotografen, der eine Erzählung in seine Modefotos einfügt.

Sein Geschichtenerzählen brachte eine neue Art, Modefotografie und Kunst zu mischen, und ließ der Fantasie des Betrachters immer Freiheit.

Er glaubte, dass der Fotograf alles tun muss, um jedes Bild zu einem Porträt von jemandem oder einer Geschichte von etwas zu machen – eine Geschichte von Beziehungen und Persönlichkeiten, Realität und Träumen – und sagte, dass Modefotografie nicht auf Mode allein reduziert werden kann.

Lindberghs Stories sind stumme kleine Minidramen, die hauptsächlich in Schwarzweiß gedreht wurden und am häufigsten auf den Seiten der italienischen Vogue und Harper's Bazaar zu sehen sind. Seine thematischen Sequenzen haben die unzusammenhängende innere Logik von Musikvideos und den melodramatischen Look alter Filmstills.

Wim Wenders – Einführung in die Geschichten

Lindberghs Methode ähnelte eher der eines Filmregisseurs, aber stattdessen suchte er nach einem einzigen Bild, das alle Emotionen und Geheimnisse enthält, die man für einen Film braucht.

Mit seinem eigenen Vokabular gibt er uns Realität und Fiktion in einer kinoähnlichen Erzählung, die noch nie jemand nachahmen konnte.

Lindberghs Geschichten boten tendenziell eine Art Pulp-Fiction-Vision, in der die Mode weit hinter Charakter, Geschichte und Schauplatz zurückbleibt.

Für mich geht es wirklich um Storytelling. Ohne Story kann es ziemlich langweilig sein, vierzig Seiten für ein Magazin zu drehen. Eine Erzählung verändert alles.

Peter Lindbergh – Artforum, Mai 2016

Seine Fotos sahen aus wie Filmstills, in denen Action und Zeit angehalten wurden. Momente einer spannenden Handlung mit offenem Ende. Lindberghs Fotogeschichten geben immer Fragen, niemals Antworten. Das macht sie geheimnisvoll, zeitlos und offen für Interpretationen.

Alles beginnt mit einer Idee

Viele seiner besten Geschichten scheinen direkt aus Zeitungs- oder Zeitschriftenartikeln zu stammen und wurden häufig in der italienischen Vogue veröffentlicht.

White Trash wurde im November 2001 im kalifornischen El Mirage gedreht. Die Fotoserie erzählt die Geschichte eines Mädchens aus einer Kleinstadt, das ihre Tochter bei ihrer Familie in der Wüste zurücklässt, während sie nach Hollywood geht, um ein Star zu werden.

Gun Story wurde im Mai 2000 in Los Angeles gedreht. Das Konzept entstand, als Lindbergh einen zusätzlichen Tag bei einem Dreh hatte und jemand eine Pistole in einem alten Auto entdeckte, das für die Dreharbeiten verwendet wurde. Dann beschloss er, etwas mit der Waffe zu machen.

In den letzten 20 Jahren habe ich hauptsächlich für die italienische Ausgabe der Vogue gearbeitet, die unglaublich lange Fotogeschichten bevorzugt. Tatsächlich musste ich bis zu 48 Seiten gleichzeitig Material bereitstellen. Und die Norm dort sind etwa 30 Seiten. Da stellt sich die Frage: Ist eine solche Bildergeschichte überhaupt ohne Erzählung möglich. Eine sehr einfache Geschichte zu erzählen reicht aus, so wie sie ist, und hilft insofern, als sie Ihnen eine Richtlinie gibt, an der Sie arbeiten können. Wenn Sie keine Geschichte zum Weitermachen haben, können Sie das Model nur bitten, zuerst so und dann so zu posieren. Auf Dauer ist das ziemlich langweilig. Und nicht nur für mich, sondern auch für alle anderen Beteiligten ist die Idee, eine Geschichte zu erzählen, viel interessanter.

Kunstforum, 2005 (Deutschland)
Woher seine Kreativität kommt

Ich arbeite viel in der Nacht und wenn Sie nachts alleine sind, haben Sie vielleicht sechs oder sieben Stunden für sich, all diese Dinge schwirren in Ihrem Kopf herum und das brauche ich.

Peter Lindbergh – DW-Dokumentarfilm (2016)

Schöpfung ist die Geburt von etwas, und etwas kann nicht aus dem Nichts entstehen. Wenn jemand etwas erschafft: ein Gemälde, ein Gedicht, ein Foto, entsteht die Kreativität aus einer Idee, aus einem Gefühl, aus Emotionen oder aus einer Kombination von Ideen, Gefühlen und Emotionen, die aus all unseren Erfahrungen und Perspektiven irgendwie „wiedergeboren“ werden.

Peter Lindbergh – Eine andere Vision der Modefotografie (2016)

Einflüsse

Lindberghs frühe Kindheit in Duisburg, Deutschlands industriellem Kernland, und seine Zeit in Berlin als junger Mann haben ihn stark beeinflusst.

Die industrielle Kulisse seiner Heimatstadt sollte in seinem Leben zu einer ständigen Inspiration für seine Fotografie werden.

Er bezog sich sogar auf diesen Hintergrund, als er 1988 eine denkwürdige Werbekampagne für Comme des Garçons drehte, in der Modelle gezeigt wurden, die von Maschinen des Industriezeitalters in den Schatten gestellt wurden.

Die Wurzeln meiner Arbeit liegen in Duisburg. Es ist eine relativ düstere Stadt in Nordrhein-Westfalen im Kreis Düsseldorf. Die Landschaften, die Architektur, die Kohle, ihre Kultur haben einen starken Einfluss auf meine Vision von Schönheit. Dann war da noch Berlin und sein künstlerisches Treiben, Kabaretts.

Bevor Lindbergh Fotograf wurde, studierte er Malerei und wurde von der Konzeptkunst und dem Werk seines Idols Vincent Van Gogh beeinflusst. Er besaß eine große Sammlung von Kunstbüchern und studierte alle von Pablo Picasso bis Marcel Duchamp.

Als weiteren Einfluss nennt er den französischen Dramatiker und Theaterregisseur Antonin Artaud. Artaud gilt als eine der Hauptfiguren des Theaters des 20. Jahrhunderts und der europäischen Avantgarde.

Einfluss des Kinos

Er war auch ein Fan des Kinos, insbesondere des deutschen expressionistischen Kinos der 20er und 30er Jahre und des Fritz-Lang-Films. Metropole.

Der Film, Metropole war ein unglaubliches visuelles Ereignis für jemanden, der in Duisburg aufgewachsen war, insofern, als das, was ich aus dem normalen Leben kannte, nämlich Fabriken, Schichtwechsel, Arbeiter usw., auf der Leinwand zu einem visuellen Meisterwerk wurde.

Sie haben dann Kino: Der Blaue Engel, Metropole, Otto Dix, Max Beckmann und Fellini, Visconti, Pasolini… Das alles hat mich sehr ernährt! Van Gogh auch, der mich sehr inspiriert hat und mich nach Arles geführt hat, wo ich 2010 mein Haus gekauft habe. Ich bin dieser Region sehr verbunden. Nach einer Reise nach Spanien und Nordafrika kehrte ich zum Abschluss meines Studiums nach Krefeld zurück, wo ich Joseph Kosuth, einen der führenden Konzeptkünstler, entdeckte. Alles, was ich heute tue, ist tatsächlich das Ergebnis dieser kulturellen Prägung.

Es gibt Filme, die mich grundlegend beeinflusst haben. Wichtig für mich war Fritz Langs Metropole, erschossen 1927, und auch Josef von Sternbergs Blauer Engel von 1930 mit Marlene Dietrich. Andrei Tarkovsky hatte großen Einfluss mit Filmen wie Solaris, der Spiegel, und Andrei Rublev. Wim Wenders war wahrscheinlich der wichtigste Einfluss für mich, mit Filmen wie Flügel der Begierde, Alice in the Cities, Falscher Zug, und Paris, Texas. Vincent van Goghs kraftvolle Malerei hat mich ebenso fasziniert wie Werke von Malern wie Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann oder Otto Dix.

Gagosian, Juni 2017

Die Sujets von Peter Lindbergh waren Stummfilmstars, mit der Kleidung als Drehbuch und Lindbergh als Regisseur.

John Galliano

Andere Fotografen arbeiten

Lindbergh ließ sich auch von Straßenfotografen, Fotojournalisten und Dokumentarfilmern wie Dorothy Lange, Walker Evans, Brassai und Henri Cartier-Bresson inspirieren. Er hat ihre Arbeit oft als Grund dafür genannt, warum er in Schwarzweiß fotografiert.

Meine Vorstellungskraft war unauslöschlich geprägt von dem unverblümten Realismus in den Gesichtern, die Dokumentarfotografen wie Dorothea Lange und Walker Evans unsterblich gemacht haben. Obwohl Menschen die Realität in Farbe sehen, war Schwarz und Weiß für mich immer mit der tieferen Wahrheit des Bildes verbunden, mit seiner verborgensten Bedeutung.

Hier sind einige der anderen Fotografen, die Lindbergh bewunderte:

Richard Avedon, Irving Penn, Diane Arbus, André Kertész, August Sander, Hans Feurer, Lewis W. Hine, Bruce Weber, Helmut Newton, Sebastião Salgado, Don McCullin, Garry Winogrand, Paolo Roversi

Welche Kamera hat Peter Lindbergh verwendet?

Seine erste Kamera war 1971 eine gebrauchte Minolta. Seitdem hat er hauptsächlich Nikon-Kameras und Pentax 67 Mittelformat gedreht.

Nikon-Kameras: Nikomat, Nikon F3, Nikon F4, Nikon F5, Nikon D1X, Nikon D2X, Nikon D3S, Nikon D4, Nikon D5 und Nikon D810

Für einige Jahre verwendete er für Studioarbeiten eine Hasselblad 501 mit einem Phase-1-Digitalrückteil, wechselte aber später zu Nikon-DSLR-Kameras.

Er besaß auch eine Konica Hexar für Gelegenheitsfotos hinter den Kulissen. Ab 2010 nutzte er die Panasonic Lumix GF und später stattdessen die Kamera seines iPhones für Schnappschüsse.

Lindberghs letztes Kamera-Setup war: 2 x Nikon D810-Kameras mit einem Nikon 24-70 mm F2.8 VR an einer Kamera und einem Nikon 70-200 mm F2.8 VR II an der anderen. An beiden Kameras waren Batteriegriffe angebracht. Gelegentlich verwendete er Primes, darunter das Nikon 85mm F1.4G (Bild rechts).

In seinen Filmtagen

Die meisten seiner ikonischen Filmfotos wurden entweder mit der Pentax 67 (mit dem 105 mm F2.8) oder den Nikon F3 und F4 Kameras (mit 50 mm F1.4 oder 85 mm F1.4 Primes) aufgenommen.

Seine Filmwahl für Mittelformat und 35mm ist Kodak Tri-X und X-Pan. Typischerweise in D-76 entwickelt.

Hinweis: Es wurde erwähnt, dass er in den 80er Jahren eine Leica R-Kamera verwendet hat, aber ich konnte keine Beweise dafür finden.

Ausrüstung in seinen eigenen Worten

Ich hatte eine kurze Zeit, in der ich 8×10 gedreht habe, aber es ist zu kompliziert, wenn man sich so auf die Technik einlässt. Ich fotografiere vielleicht 70 Prozent in 35 mm, oft mit Plus-X, mit 50 ISO bewertet. Sie haben kein Getreide, es ist großartig. Ich fotografiere mit Nikons. Ich fotografiere auch mit einer Pentax 6×7. Heutzutage arbeite ich auch meistens mit einem digitalen Rückteil.

Peter Lindbergh – American Photo, 2003 (USA)

Abgesehen von Digital oder Analog habe ich immer 35 mm bevorzugt. Gelegentlich habe ich Mittel- oder Großformat verwendet. Die Verwendung von 35-mm-Format ist eher wie das Sprechen von – Konversationsfotografie–, während größere Formate wie eine Präsentation sind. 35 Millimeter sind wie ein Teil deines Körpers. Du redest und fotografierst, wie die Leute auf dich und deine Kamera reagieren, das kannst du auf 35mm machen.

Viele Fotografen sind Fetischisten. Sie sprechen immer von der Kamera und nicht von den Bildern. Ich habe eine alte Nikon. Es ist perfekt. Mach dir keine Sorge. Es geht nicht um die Kamera.

Peter Lindbergh – Artforum, Mai 2016 (USA)

All diese Profis, die gerne mit fünf Stativen und sechs Koffern kommen, um ein Foto zu machen, damit sie professionell aussehen? Ich habe immer versucht, einen Weg zu finden, um versehentlicher oder leichter zu fotografieren und nicht alle zu zwingen, vor dem Stativ still zu halten. Ich kann das Stativ-Ding nicht mehr machen.

Peter Lindbergh – The Rake, September 2019 (Großbritannien)

Wie die Gesichtsmaske zum begehrtesten Gut der Welt wurde

Wenn Ovidiu Olea erstaunt ist, dass er sich in vier Monaten vom Finanzmann zum Maskenmogul entwickelt hat, zeigt er nichts davon. Der Übergang begann harmlos. Ende Januar, als sich das Coronavirus über Wuhan hinaus ausbreitete, beschloss Olea, Masken für seine Mitarbeiter zu kaufen. Er lebt in Hongkong, wo er ein Unternehmen für Zahlungstechnologie leitet. Sein Personal ist nicht groß – nur 20 Mitarbeiter – aber es erwies sich als schwierig, selbst ein paar hundert Masken zu finden. Ein Teil des Problems war, dass die chinesische Regierung im vergangenen Jahr, nachdem Demonstranten in Hongkong Masken verwendet hatten, um ihre Identität zu verbergen, die Lieferungen vom Festland einschränkte. Vor der Pandemie wurde jetzt die Hälfte der Masken der Welt in China hergestellt, wobei die Produktion dort auf Hochtouren verlagert wurde, diese Zahl kann bis zu 85% betragen. Wenn China Ihnen keine Masken schickt, bekommen Sie wahrscheinlich überhaupt keine. Wir haben keine Masken, sagten lokale Apotheken zu Olea, aber wenn Sie welche finden, kaufen wir sie bei Ihnen.

Olea muss arbeiten. In einem Zeitschriftenartikel las er, dass Epidemiologen viel von N95-Atemschutzmasken sprachen, Masken, die 95 % der kleinen Partikel herausfiltern. Olea stiehlte sich die Zeit seines Tagesjobs und begann, N95-Lieferanten in Mexiko, der Türkei, Indonesien und Irland anzurufen. Jeder wies ihn ab. „Die Antworten reichten von ‚Nein‘ über ‚Wir verkaufen nur an akkreditierte Käufer‘ bis ‚Komm nächstes Jahr wieder‘“, erzählte mir Olea. Nach drei Tagen fand Olea eine südafrikanische Firma namens North Safety Products, die 500.000 Masken auf Lager hatte. Olea kaufte sie alle für weniger als ein Pfund pro Maske, in der Gewissheit, den Überschuss verkaufen zu können.

Während ihrer Gespräche warnten die Führungskräfte von North Safety Products Olea, vorsichtig zu sein. Vor den Werkstoren lauerten „Interessenten“, die bereit waren, Lkw-Fahrer für ihre Ladungen zu bestechen. Olea heuerte ein Sicherheitspersonal an, das neben seinem Lastwagen mit Masken fuhr, der zum Flughafen in Johannesburg fuhr. (Er schickte mir ein Foto des Teams: sechs grimmige Männer, die Pistolen und Gewehre packen, gekleidet in Tarnfarben und kugelsichere Westen. „Sie fragten, ob ich auch Maschinengewehre wolle. Ich dachte nicht. Wir dringen nicht in Lesotho ein vernünftig.“) Mitte Februar, zwei Wochen nach seiner Bestellung, landete seine Sendung in Hongkong. Innerhalb von sechs Stunden hatten die von ihm angemeldeten Käufer fast alle Masken abgeholt. "Selbst wenn ich 5-m-Masken gehabt hätte", sagte Olea, "wäre ich ausverkauft."

Olea, die ein feines Gespür für Geschäftsmöglichkeiten hat, war schnell von dieser neuen Tätigkeit besessen. Seit Februar, als sich die Pandemie auf dem ganzen Planeten verbreitet hat, hat er eine weitere Million N95-Masken von North Safety Products gekauft und verkauft. Im März wurde Olea auch Mittelsmann für in China hergestellte dreilagige Masken, die einfache Art, die jetzt fast jeder überall trägt. Er verkaufte Masken an die Regierung von Hongkong, an europäische Länder, über ihre Diplomaten in Hongkong und China und an europäische Unternehmen, die sie für ihre Mitarbeiter haben wollten. Alles in allem schätzt Olea, dass er ungefähr 48 Millionen davon verkauft hat.

Im April beschloss Olea, dass er genauso gut den nächsten Schritt machen könnte. Er kaufte von einem chinesischen Hersteller eine Maskenmaschine: eine acht Meter lange Montagelinie, die Plastikfolien zu Masken formt und schneidet. Als ich Mitte April mit ihm sprach, las ich von Maskenpreisen in der Nähe von 6 Pfund pro Stück, und Olea wartete mit schwindelerregender Aufregung darauf, dass seine Maschine ihn erreichte. Er leitete immer noch seine Zahlungsfirma, und Masken waren eine Abkehr von dieser Arbeit. „Aber das sind seltsame Zeiten“, beharrte er. "Wir alle müssen etwas tun, um zu überleben."

Kein Objekt symbolisiert die Pandemie besser als die Maske, und kein Objekt erklärt besser die Welt, in die die Pandemie eingedrungen ist. Soziale Distanzierung fühlte sich zunächst wie eine seltsame Vorstellung an: ihre Untätigkeit, ihre Unbestimmtheit. Aber die Maske sang nach unseren tiefsten Konsumimpulsen. In Ermangelung eines Medikaments oder eines Impfstoffs ist die Maske der einzige materielle Schutz, den wir kaufen können, es ist ein Produkt, und wir wurden wie Siegel geschult, auf Produkte zu reagieren. Infolgedessen wurde die bescheidene Gesichtsmaske – diese Zusammenstellung aus billigem Plastik – in jeder Ecke jedes Landes zu einem fetischisierten Gut erhoben. Ein Maskenmakler beschrieb es als „ein Irrenhaus“, ein anderer als „den verrücktesten Markt, den ich je gesehen habe“.

Länder haben Masken gehortet und sie als Chips in geopolitischen Spielen verwendet. Diebe haben sich mit ihnen davongemacht. Prada, Gucci und Balenciaga haben mit der Herstellung begonnen. Wir haben bereits MaskClub.com, der wie ein Club "Jam of the Month" Maskenabonnements im Wert von 9,99 USD pro Monat anbietet: das beliebteste Geschäftsmodell des Hipster-E-Commerce. Letztes Jahr, erzählte mir ein Branchenkenner, hatte Burberry mit dem Gedanken gespielt, einige seiner Models während einer Laufstegshow mit Gesichtsmasken zu versehen – vielleicht ein Augenzwinkern in unsere apokalyptische Zukunft. Im März waren die Dinge real geworden und das Modehaus versprach, Masken und Kleider für den britischen NHS herzustellen. Aus medizinischer Sicht ging es bei der Maske um Leben und Tod. Es übernahm aber auch die Funktion eines Talismans – als Objekt, das wohltuend zwischen dem Körper und einer erkrankten Gesellschaft hängt.

Schutzmasken hängen in einer Dekontaminationsanlage in Somerville, Massachusetts. Foto: Michael Dwyer/AP

All dies, als niemand genau zu wissen schien, wie nützlich Masken waren oder wer sie tragen sollte. Der Rat, den wir bekamen, war ein Durcheinander. Die Weltgesundheitsorganisation behauptete zunächst, dass gesunde Menschen keine Masken benötigen. Aber die Leute kauften trotzdem Masken. Regale wurden geleert. Die Leute haben improvisiert. Eine Freundin von mir in Tel Aviv hat sich schließlich eine aus den Boxershorts ihres Mannes geschneidert – gewaschen und getrocknet, versicherte sie mir, und wie eine Sturmhaube über ihren Kopf gezogen. Dann, Anfang April, kehrte die WHO ihren Rat zurück, und eine Reihe von Regierungen folgten diesem Beispiel, was einen erneuten Ansturm auf die Maskenbestände auslöste.

In dieser Pandemie verrät die Maske weit mehr, als sie verbirgt. Es entlarvt die politischen und wirtschaftlichen Beziehungen der Welt als das, was sie sind: Vektoren des Eigeninteresses, die normalerweise unter dem oberflächlichen Gerede von Globalisierung und Offenheit verborgen bleiben. Für die Demagogen, die so viel auf der Welt regieren, bietet die Pandemie eine unanfechtbare Entschuldigung, um ihre Herzenswünsche zu erfüllen: nationale Grenzen zu nageln, jeden Außenstehenden als misstrauisch zu tarnen und so zu tun, als müsse vor allem das eigene Land erhalten werden Andere.

Wenn sich diese Tendenzen mit einer kriecherischen Loyalität gegenüber dem freien Markt verbinden, können die Ergebnisse ruinös sein. In nur wenigen Wochen wurde die Maske von einem dringenden menschlichen Bedürfnis zu einem zynisch ausgebeuteten Vermögenswert in einem globalen Ressourcenraub – vielleicht die schnellste solche Reise von allen Produkten in der Geschichte. Manchmal fühlte es sich an, als ob die Maske selbst nebensächlich wäre – als wäre sie nur ein Auslöser, um alte Routinen von Habgier und Zwietracht zu proben, ohne dass ein weiteres größeres Ende in Sicht ist.

Wir leben schon lange genug mit dem Coronavirus, um die verschiedenen Stämme der Maskenträger unterscheiden zu können.Beachten Sie den Shopper im Nudelgang, gekleidet in ein klassisches weißes N95 mit dem 3M-Herstellerlogo direkt unter der Schnauze. Das N95 und seine Äquivalente halten fast jedes Partikel ab, das größer als 0,3 Mikrometer ist, und obwohl das Virus winziger ist, behindern die Fasern in den Schichten der Maske seinen Durchgang. Diese Masken sollen zuerst an die Mitarbeiter des Gesundheitswesens gehen, was die heimlichen, schuldigen Augen des Käufers erklären könnte. Beachten Sie den Finanzbruder für seine zugewiesene Joggingstunde, die eine Vogmaske trägt – eine Marke, die so stilvoll ist, dass ihr nachtblaues Modell sogar zu seinem Anzug passt, wenn er schließlich in die Stadt zurückkehrt. Beachten Sie die extreme Besorgnis bei der GVS Elipse P100, der Hochleistungsmaske, die verspricht, 99,97% der Partikel fernzuhalten. Im Zeitalter von Covid-19 kann das Äquivalent zu vernünftigen Schuhen die einfache OP-Maske oder das selbst gesäumte Tuch sein. Die Lücken in ihrem Gewebe sind groß genug, um das Virus durchzulassen, aber sie schützen zumindest andere vor dem Niesen und Husten des Trägers.

Coronavirus UK: Sollte ich eine Gesichtsmaske tragen? – Video-Erklärer

Eine so tiefe Vertrautheit mit Masken ist schwer erkämpft. Die Pandemie hat zu einem weltweiten Mangel an Masken geführt, bei dem es sich in Wirklichkeit um einen weltweiten Mangel an einem bestimmten Kunststoff in den Masken handelt – einer Art Vliesstoff aus Polypropylen, der als Filter fungiert. In lockeren Gesprächen nennen Leute im Maskengeschäft den Kunststoff „Meltblown“ und beziehen sich auf die Herstellung seiner Kunststofffilamente. Meltblown ist in vielen Dingen enthalten: Jacken, Windeln, Filter in Wasserreinigern und Klimaanlagen. Masken sind knapp, nicht weil sie schwer herzustellen sind, sondern weil die Meltblown-Industrie an eine stabile, langfristige Nachfrage gewöhnt ist. Es produziert gerade genug für seine Kunden und nicht mehr. Die Installation einer Meltblown-Fertigungslinie dauert viele Monate, selbst in den ruhigsten Zeiten mit steigender Nachfrage. Einige Unternehmen, die Meltblown-Ausrüstung liefern, geben Zeitpläne von bis zu zwei Jahren an, um sogar eine neue Maschine zu liefern.

Heiß aus der Anlage, sieht Meltblown aus wie eine riesige Toilettenpapierrolle: 15.000 Meter Polypropylen um einen Pappkern gewickelt. Das Material fühlt sich an wie synthetisches Tuch, aber es ist so dünn, dass man versehentlich den Finger hindurchstecken könnte, sagte mir ein leitender Angestellter eines amerikanischen Meltblown-Herstellers. Er bat darum, seinen Namen und den seiner Firma aus diesem Artikel herauszuhalten, aus einem Grund, der mir noch nie genannt wurde. Sie wolle nicht weiter bekannt werden, sagte er: „Wir sind schon so mit Anfragen überlastet. Wenn weitere Informationen herauskommen, kommen jeden Tag weitere tausend Nachrichten an. Das macht es unmöglich, irgendeine Arbeit zu machen.“ Bis letztes Jahr gingen nur 2 oder 3% des Meltblowns seines Unternehmens in Gesichtsmasken, sagte er. Dieses Jahr sind es 95 %.

Herstellung von schmelzgeblasenem Stoff zur Verwendung in Gesichtsmasken in Chengdu, China. Foto: Chine Nouvelle/SIPA/REX/Shutterstock

Bislang betrachteten die Länder Meltblown nicht als strategisches Gut, so dass in den letzten drei Jahrzehnten ein Großteil der Produktion aus dem Westen in Billigfabriken in Asien verlagert wurde. Das Unternehmen der Führungskraft sei einer von nur fünf oder zehn verbleibenden Herstellern in den USA, sagte er, und China produziere fast die Hälfte aller Meltblowns der Welt. Infolgedessen war der Ansturm auf Masken eine komprimierte, lebendige Erinnerung an etwas, das uns seit einigen Jahrzehnten bewusst war: dass sich die Handelslinien in der gesamten Produktion und im Handel unweigerlich nach China neigen.

Anfang Februar begann die chinesische Regierung damit, den Export von Meltblown zu verhindern, damit das Material zunächst zur Herstellung von Masken für die eigene Bevölkerung Chinas verwendet werden konnte. Die Aussicht, von der Hälfte des schmelzgeblasenen Angebots der Welt abgeschnitten zu werden, habe jedem, der etwas herstellte, das es enthielt, „die Furcht Gottes“ gebracht, sagte die Exekutive. Der Marktpreis von Meltblown hat sich vervierfacht. Er bekam täglich 200 oder 300 Anrufe von Maskenfirmen auf der ganzen Welt, die Meltblown forderten. Sogar chinesische Maskenhersteller riefen ihn an, weil sie befürchteten, dass ihr Land ausgehen könnte. Sie boten Bargeld im Voraus an und versuchten, sich gegenseitig zu überbieten. „Sie sagten: ‚Nennen Sie Ihren Preis, jeden Preis, den Sie wollen, alles‘ und ich würde erklären, dass wir das nicht so machen“, sagte die Führungskraft. Dann baumelten sie ihm Bestechungsgelder vor: All-Inclusive-Urlaub. Sagen Sie uns einfach, wohin Sie wollen.

Ebenfalls im Februar machte sich die chinesische Regierung faktisch zum einzigen Kunden der großen Maskenfabriken auf ihrem Territorium. Dies galt für chinesische Unternehmen, aber auch für große Maskenfabriken in China, die ausländischen Firmen gehörten, deren Produkte für den inländischen Gebrauch bestimmt waren und der Versand nach Übersee verboten war. Am 3. Februar teilte das britische Unternehmen JSP Safety in einem entschuldigenden Brief an seine Kunden mit, dass seine Produktion von Masken zur Neige ginge, weil zwei seiner chinesischen Fabriken „formell von der Regierung beschlagnahmt wurden, um Einweg-RPE [Atemschutzausrüstung] für Chinesische Regierungsbehörden“.

Christopher Dobbing, der 2015 die Cambridge Mask Company gründete, sagte, seine eigene Fabrik in China sei klein genug, um der Aufmerksamkeit der Regierung zu entgehen, sodass sein Inventar von den Behörden nicht abgenommen wurde. Aber er sah aus erster Hand die Welle chinesischer Panikkäufe. „Überall schnappten sich chinesische Gemeinden unsere Masken, wo immer wir einen Fußabdruck hatten, damit sie sie nach Hause schicken konnten“, sagte Dobbing. Chinesische Unternehmen im Ausland wurden ebenfalls gebeten, Masken zu kaufen und zurückzusenden. Am 26. Januar erhielt Dobbing 1.200 E-Mails und 400 Anrufe. "Vielleicht dachten sie, wir wären ein riesiges Unternehmen, aber wir waren nur ein paar Typen in einem Büro, die in Panik gerieten, als die Bestellungen eintrafen." Am 28. Januar nahm er Vorbestellungen für März entgegen.

Im Februar wurden rund 2 Milliarden Masken nach China importiert. Für diejenigen, die Chinas Herrschern ein reflexartiges Misstrauen entgegenbrachten, schien es, als ob sie, nachdem sie die Krankheit zunächst nicht eingedämmt hatten, jetzt den Maskenmarkt durchwühlten, als das Coronavirus gerade begann, durch andere Nationen zu rasen. Nachdem entdeckt wurde, dass ein chinesisches Immobilienunternehmen in Sydney Millionen von Masken gekauft hatte, forderte die Australian Medical Association ihre Regierung auf, Schutzausrüstung vor ausländischen Käufern zu schützen. Ein Anwalt im Zusammenhang mit Donald Trumps Wiederwahlkampagne verglich Chinas Vorgehen mit „Mord ersten Grades“ und fragte sich laut, ob die USA Peking verklagen könnten. Der US-Bundesstaat Missouri tat genau das und argumentierte in seiner Klage, China habe „persönliche Schutzausrüstung gehortet – und damit eine globale Pandemie verursacht, die unnötig und vermeidbar war“.

Wenn sich die USA und der Rest des Westens jedoch darüber beschweren, dass China aggressiv seine eigenen Interessen verfolgt, bedeutet dies in gewisser Weise eine grundlegende Doppelzüngigkeit. Chinas Reichtum und Macht sind das Ergebnis eines langjährigen internationalen Konsens, der von den USA vertreten wird: Das Streben nach möglichst niedrigen Produktionskosten und höchstmöglichem Gewinn steht im Vordergrund. Wenn das bedeutet, fast alles nach China zu verlagern, darf nach dieser Philosophie nichts im Wege stehen: nicht die Aushöhlung der heimischen Industrie, der Verlust von Lebensgrundlagen oder Menschenrechtsbedenken. Und nicht nur China hat von diesem Arrangement profitiert. Es hat auch den reichsten Menschen in den reichsten Ländern gut getan. Viele dieser Menschen scheinen jetzt von der Welt, die sie mitgestaltet haben, beleidigt zu sein.

Als sich die Ereignisse herausstellten, verhielten sich nur wenige große Nationen sehr anders als China, als die Krankheit innerhalb ihrer eigenen Grenzen aufflammte. „Eine Hundefresser-Welt ist zurück“, klagte ein ehemaliger polnischer Diplomat, als wäre eine solche Welt überhaupt jemals irgendwo hingekommen.

Bis Mitte März hatte China seine Regeln gelockert, sodass sowohl Masken als auch Meltblown wieder in Übersee verkauft werden konnten, an Nationen, die jetzt dringend Pandemieausrüstung benötigten. Aber der Markt versagte immer wieder: Die Versorgung mit Masken gelangte oft nicht zu Ärzten, Krankenschwestern, älteren Menschen und anderen, die sie am dringendsten benötigten.

Während des darauffolgenden großen globalen Gedränges nutzten die Regierungen alle erdenklichen Mittel, um Masken für ihre Bürger zu beschaffen, bevor sie woanders hingingen. Ausländische Botschaften in China machten ihre diplomatischen Mitarbeiter zu Spähern für medizinische Versorgung Kanada beauftragte ein multinationales Beratungsunternehmen, herauszufinden, welchen Herstellern man vertrauen konnte. Frachtagenten in China, die Raum auf Schiffen und Flugzeugen für Waren buchen, die das Land verlassen, mussten mit medizinischer Ausrüstung und wenig anderem umgehen. Ein Agent in Shanghai, Fredrik Barner, hatte bis zu diesem Frühjahr Autoteile verschickt, als er mit Befehlen überflutet wurde, stattdessen Masken zu bewegen. „Ich bin seit 10 Jahren in der Branche und habe noch nie so hohe Luftfrachtraten gesehen“, erzählte mir Barner. „Normalerweise liegt der Preis bei etwa 3 oder 4 US-Dollar pro Kilogramm. Das stieg auf 17 oder 18 Dollar.“

Nationen, die nicht genug Masken für sich selbst herstellen konnten, mussten unkonventionelle Wege finden, sie aus China einzuführen. In Irland forderte die Regierung Aer Lingus auf, die Lieferungen von Peking aus durchzuführen. Die Airline war zuvor noch nie nach China geflogen, und die Planungen und Genehmigungen für eine neue Strecke hätten in der Regel sechs Monate gedauert. Aer Lingus hat es in einer Woche geschafft. Brian O’Sullivan, der leitende Fluglehrer von Aer Lingus, führte am 27. März das erste Flugzeug nach Peking und nahm vier weitere Piloten, zwei Ingenieure und einen Spezialisten für den Lastausgleich in einem Flugzeug mit. Zehn Stunden draußen, sechs Stunden am Boden, dann 13 Stunden zurück: ein Flugplan, der für eine einzelne Crew im regulären Flugverkehr undenkbar ist.

Sie landeten sehr früh an einem Sonntagmorgen in Peking. Durch die offene Tür des Flugzeugs bemerkte O’Sullivan, dass der Flughafen, der normalerweise wie ein Bienenstock von landenden und startenden Flügen summt, in sechs Stunden praktisch im Winterschlaf war, er sah nur ein halbes Dutzend Abflüge. Seine Crew hat das Flugzeug nie verlassen, sagte mir O’Sullivan, weil sie dazu in Quarantäne gegangen wäre. Stattdessen blieben sie in der Business Class, hinter dicken Plastikvorhängen, während Bodenabfertiger erst den Frachtraum und dann die Economy Class beluden: riesige grüne Taschen voller Masken, Kittel und Handschuhe wurden in die Sitze geschnallt, als wäre die Kabine ausgebucht von riesigen Erbsenschoten. "Wir haben niemandem die Hand geschüttelt", sagte O'Sullivan, "aber es gab viele Lächeln und Dankeschöns und Kopfnicken." Als ich Mitte April mit ihm sprach, hatte Aer Lingus 30 Flüge nach Peking absolviert und rechnete damit, bis Ende Mai etwa 200 weitere Flüge durchzuführen.

Um dem Ansturm auf Masken gerecht zu werden, entstand ein seltsames alternatives Ökosystem von Lieferanten, die oft Produkte von zweifelhafter Qualität liefern. In Europa stellten mehrere Käufer chinesischer Masken fest, dass ihre Produkte minderwertig waren. Die niederländische Regierung musste 600.000 Masken zurückrufen. Finnland stellte fest, dass eine Bestellung von 2 Mio. Selbst wenn sie auf dem neuesten Stand gewesen wären, hätten diese 2-Meter-Masken nur vier Tage lang den Bedarf des Landes gedeckt.

Es war nicht immer klar, wer diese Masken herstellte. Als Händler erhielt Christopher Dobbing im März und April eine Reihe von E-Mails von chinesischen Maskenverkäufern, von denen er noch nie zuvor gehört hatte. Er schickte mir ein paar davon, und ich rief eine der aufgelisteten Nummern in der Stadt Zhangjiagang an, etwa 100 Meilen von Shanghai entfernt. Eine Frau nahm ab und stellte sich als Rita vor. Sie erzählte mir, dass die Firma, für die sie arbeitete, seit der ersten Märzwoche K95-Masken für 2,50 Dollar pro Stück verkauft. Ich fragte, ob sie die Masken auch herstellten.

Sie lachte. „Nein, wir machen Weißblech. Aber unsere Kunden in Amerika und Europa fragten, ob wir Masken beschaffen könnten, also tun wir das jetzt“, sagte sie mir. "Wir bekommen sie von einer großen Fabrik in der Nähe, die Masken herstellt."

Ich fragte, wie lange es dauern würde, 10.000 Masken nach London zu schicken. Sie konnte es nicht sagen. Es gab nicht viele Flüge aus dem Land, und nachdem festgestellt wurde, dass einige Chargen exportierter Masken defekt waren, überprüften die chinesischen Zollbehörden die Maskenladungen strenger. Eine Freundin von ihr, ein weiterer Maskenverkäufer, habe bereits zwei Wochen auf eine ihrer Sendungen zum Zoll gewartet, erzählte sie mir.

Die Fabrik, die die Masken tatsächlich herstellte, gehörte einer anderen Firma, sagte Rita. Chinesische Hersteller, die im Westen Masken für medizinische Zwecke herstellen, müssen von staatlichen Gesundheitsbehörden wie der US-amerikanischen Food and Drug Administration zertifiziert werden. Rita versicherte mir, dass der Hersteller ein FDA-Zertifikat habe und schickte mir einen Scan per E-Mail, um dies zu beweisen. Es war am 1. April ausgestellt worden. An der Stelle, an der der Name des Herstellers hätte stehen sollen, gab es nur eine kurze weiße Fläche, gefolgt von den allgemeinen Wörtern Technology Co., Ltd. Es sah so aus, als ob jedes Unternehmen seinen Namen in das leere Feld drucken und das Zertifikat zu seinem machen könnte besitzen. In der Datenbank der FDA habe ich die Nummer des Zertifikats nachgeschlagen. Die FDA hatte es Jiangsu Newborn Medical Technology Co., Ltd. zuerkannt – einem ganz anderen Unternehmen.

Unter denen, die versucht waren, sich als Maskenhändler neu zu erfinden, waren Drogendealer, die die Krise nutzten, um ihr Portfolio zu diversifizieren. Logan Pauley, ein Forscher am Center for Advanced Defense Studies in Washington DC, verfolgt den Verkauf illegaler Drogen im Internet und konzentriert sich dabei auf den Handel aus Ostasien in den Rest der Welt. Gegen Ende Februar bemerkte er, dass einige der von ihm überwachten Händler Masken und Handschuhe anpreisten. Er hat mir Screenshots geschickt. „Maske, 3-lagig, 50 Stück pro Karton, 20 Karton min. 33,50 US-Dollar pro Karton, ohne Versandkosten“, lautete ein Facebook-Beitrag einer Benutzerin namens Vicky in einer Gruppe, in der Leute ansonsten Fentanyl zum Verkauf anbieten.

Es sei schwierig zu wissen, was man von diesen Transaktionen halten soll, sagte Pauley. Einerseits könnten Vickys Masken von schrecklicher Qualität sein, und es bestand die Gefahr, dass die Masken absichtlich falsch gekennzeichnet, durch den US-Zoll geschleudert und dann ohne Ausrüstung an US-Krankenhäuser verkauft würden. „Der Zoll ist im Moment überfordert“, sagte Pauley. "Sie werden nicht jedes Kästchen öffnen und überprüfen." Auf der anderen Seite, sagte er, haben die FDA und andere internationale Behörden, die medizinisches Material lizenzieren, „in dieser Zeit der Not die rechtzeitige Zulassung neuer Lieferanten erschwert. Wenn die Masken gut sind, zahlt das Krankenhaus vielleicht den dreifachen Preis dafür, aber es ist immer noch besser, als auf FDA-Zulassungen zu warten.“

Er hatte recht. Wenn ich ein Krankenhausadministrator gewesen wäre, der dringend Masken benötigt, hätte ich vielleicht eine Bestellung bei einem dieser zwielichtigen Makler aufgegeben. In Ermangelung staatlicher Lieferungen oder eines gut sortierten Maskenmarktes schienen die zwielichtigsten Ecken des Internets eine der wenigen Möglichkeiten zu bieten, überhaupt Masken zu finden.

Neben den neuen Maskenvermittlern und den kriminellen Elementen, die eine neue Berufung fanden, gab es die Gruppen, die noch nie zuvor eine Maske hergestellt hatten, aber ein sicheres Gespür für Geld hatten. Ab Februar tauchten Legionen neuer Maskenhersteller jeder Größe und Form auf: von großen Unternehmen wie BMW bis hin zu den Amateuren, die der schmelzgeblasene Manager als „vier Nachbarn in einer Sackgasse in Los Angeles, die gegangen sind“ charakterisiert im Internet, um mehr über das Nähen von Masken zu erfahren“. Eine Maschine zur Herstellung von Gesichtsmasken kostet ungefähr 100.000 US-Dollar, sagte er mir, und sie stellt ungefähr 70.000 bis 100.000 Masken pro Tag her. Er hat mindestens 200 Anfragen von Amerikanern erhalten, die Maschinen aus China importieren – „Leute, die nur 100.000 ausgeben und ein bisschen Platz haben und etwas Geld verdienen wollen“.

Sie würden gerne denken, dass sie damit Erfahrung haben, sagte er, aber viele von ihnen wissen nichts. Sie rufen ihn an, wenn sie in drei Wochen eine neue Maschine erwarten, um vage nach Maskentextilien zu fragen.

"Möchtest du schmelzgeblasen?" er fragt sie.

Was ist mit Nasenklammern? Was ist mit spinngebundenem Polypropylen, dem Kunststoff, der das Meltblown umhüllt?

„Oh, davon müssen wir uns auch was besorgen, oder?“

Und dann sagte die Führungskraft seufzend zu mir: „Ich muss ihnen eine halbe Stunde lang die Maskenherstellung beibringen.“

All diese Zusammenbrüche des Marktes – die Krankenhäuser ohne Masken, die gefälschte Ausrüstung, die exorbitanten Preise, das Horten, die über Nacht fliegenden Profiteure – scheinen die Grenzen der orthodoxen Ökonomie aufzudecken. Die leidenschaftlichsten Anhänger des freien Marktes glauben, dass Angebot und Nachfrage jedes grundlegende Problem lösen, wenn sie uneingeschränkt arbeiten dürfen. Bei hoher Nachfrage steigen die Preise und die Aussicht auf Gewinn bringt viele neue Anbieter. Mit der Zeit belohnt der Markt diejenigen, die gute Produkte verkaufen, und bestraft mit der Zeit diejenigen, die schlechte Produkte verkaufen.

Das ist jedenfalls die Theorie, und ihre Befürworter bestehen darauf, dass sie auch in einer Krise gilt. Im Jahr 2012 haben Forscher der University of Chicago beispielsweise renommierte Ökonomen um ihre Meinung zu Connecticuts Plan gebeten, Preistreiberei – ausbeuterisch hohe Preise – während Überschwemmungen oder anderen Wetterkatastrophen zu verbieten. Siebenundsiebzig Prozent der Ökonomen waren der Meinung, dass Regierungen die Preise nicht drosseln oder eingreifen sollten – dass alles in allem der beste Weg, um lebenswichtige Güter zu denen zu bringen, die sie brauchen, darin besteht, dem Markt überhaupt keine Zügel zu machen.

Verkäufer verkaufen diese Woche Masken am Straßenrand in Los Angeles. Foto: Richard Vogel/AP

Aber diese Pandemie hat eine enorme Menge an gegenteiligen Beweisen geliefert: Geschichten von Hamsterern, von Ärzten und Krankenschwestern, die so wenig Schutzausrüstung trugen, dass einige Müllsäcke und Schnorchel trugen, und von Geschäften, die so verzweifelt waren, dass ein Sicherheitstrainingsunternehmen monatelang bankrott war und ohne Mitarbeiter, irgendwie einen 55-Millionen-Dollar-Vertrag zur Lieferung von Masken gewonnen. Diese Fehler passieren zum Teil, weil die Effizienz des Marktes normalerweise darin besteht, Produkte an diejenigen zu bringen, die bereit sind, dafür am meisten zu bezahlen. In einer Krise oder auch außerhalb einer Krise ist das nicht dasselbe, wie Produkte an die größtmögliche Anzahl von Menschen zu bringen, die sie benötigen.

„Ich habe immer gedacht, dass Ökonomen von Effizienz besessen sind, egal was mit der Verteilung passiert“, sagte mir der Wirtschaftsnobelpreisträger Angus Deaton. Aber gerade im Notfall zählt die Verteilung. Während dieser Pandemie wäre das beste Szenario für alle, zuerst Ärzten und Krankenschwestern Masken zu bringen – „wir möchten sie gesund erhalten, damit sie unser Leben und das Leben anderer retten können“, sagte Nicholas Bloom, ein Stanford-Ökonom, der Studienzeiten der Panik und Unsicherheit. Aber hohe Preise in unregulierten Märkten halten Masken für die Krankenhäuser, die sie benötigen, außer Reichweite.Bis der Markt schlechte Lieferanten ausmerzt, den Preis stabilisiert und Hamsterer zum Verkauf zwingt, hat sich die Krankheit ausgebreitet und Menschen sind gestorben.

Um dies zu lösen, sei eine Hand an der Ruderpinne erforderlich, sagte Bloom: Den Markt auf eine Weise zu steuern, die klassische Ökonomen nicht mögen. Eine Strategie besteht darin, die Preise zu begrenzen, damit sie nicht exorbitant werden, aber dennoch die Art von Gewinnen bieten, die neue Hersteller anziehen. Bloom ist auch der Meinung, dass Regierungen zuerst Masken für ihre Gesundheitsdienste anfordern sollten, bevor sie den Rest auf den Markt lassen. „Das ist nicht anders als die Lebensmittelrationierung während der Weltkriege. Oder wie Großbritannien während des zweiten Weltkriegs Panzer von Vickers kaufte. Die Firma musste nicht übernommen werden. Es bot einfach einen fairen Preis. Das ist dasselbe“, sagte er. "Das ist wie eine Wirtschaft in Kriegszeiten."

Für jeden, der die herrschende internationale Ordnung als einen brutalen Kampf um Ressourcen betrachtet, der gelegentlich durch edle Worte und feine Verträge getarnt wird, bietet das Gerangel um Masken ein perfektes kleines Gleichnis. Es hat den Anschein eines Nullsummenkampfes direkt aus einem Spieltheorie-Seminar: Bei begrenztem Angebot und endloser Nachfrage ist eine Maske für Sie eine Maske weniger für mich. Auf diese strenge Wahrheit haben Nationen inmitten des neuartigen Chaos, das durch Covid-19 geschaffen wurde, auf vertraute Weise reagiert, alte Feindschaften und verhärtete Gewohnheiten behaupten sich wieder.

Als sich Anfang April Nachrichtensprecher in Pakistan darüber beschwerten, dass China ihrem Land Masken aus Unterwäsche geschickt habe, starteten indische Nationalisten auf Twitter einen spöttischen Hashtag. Als britische Boulevardzeitungen ein paar Wochen zuvor über die Beschlagnahme von zwei Lastwagen mit Masken, die für den NHS bestimmt waren, durch französische Grenzschutzbeamte berichteten, bestätigte dies den schlimmsten Verdacht aller Euroskeptiker. „Dies zeigt Ihnen alles, was Sie über die europäische Zusammenarbeit wissen müssen“, sagte Iain Duncan Smith, der ehemalige Tory-Führer und leidenschaftliche Brexiter, gegenüber der Sun. Als die EU Großbritannien jedoch einlud, sich an einem Massenkauf von Schutzkleidung und Beatmungsgeräten zu beteiligen, stimmte die Regierung zu. Der Grund scheint entweder die Sturheit seines Brexit-Geistes oder seine Unfähigkeit beim Abrufen seiner E-Mails zu sein, beides scheint unter der Regierung von Boris Johnson gleichermaßen möglich zu sein.

Die USA ihrerseits behandelten die Beschaffung von Masken als Smash-and-Grab-Operation. Im April tauchte ein unglaubliches Konto von Amerikanern auf, die auf der Landebahn eines Flughafens in Shanghai Bargeld schwenkten und eine Ladung Masken kauften, die sich bereits in einem Flugzeug befanden, um nach Frankreich zu fliegen. Niemand klärte genau, wer diese Amerikaner waren oder wie sie auf die Landebahn stürmten, aber die Episode erzürnte französische Beamte. In seinem Gefolge entschied sich Renaud Muselier, der Präsident des Regionalrats der Provence-Alpes-Côte d’Azur, seine Masken auf dem Seeweg nach Hause zu bringen. „So kann ich mir zumindest sicher sein, dass mir niemand meine Masken vom Asphalt stiehlt“, sagte er einem französischen Fernsehsender.

Den USA wurde auch vorgeworfen, in Bangkok Masken aufgelauert zu haben, bevor sie nach Deutschland flogen, und die Lieferung von 3 Millionen in Amerika hergestellten Masken nach Kanada blockiert zu haben. Im vergangenen Monat kaufte Ovidiu Olea, der Hongkonger Unternehmer, 50.000 Sets Masken, Handschuhe und Overalls, die er dem Gesundheitswesen in seiner Heimat Rumänien spenden wollte. "Alles andere war fertig, und dann rief mein Overall-Lieferant an, um zu sagen, dass einige Amerikaner aufgetaucht sind, den dreifachen Preis bezahlt und meine Bestellung vor meiner Nase weggekauft haben", sagte er.

Deutschlands Verteidigungsminister begrüßt diese Woche in Leipzig eine Lieferung von 10 Millionen Masken und anderen Schutzartikeln aus China. Foto: Jens Schlüter/Getty Images

In der EU haben die Beziehungen zwischen den Mitgliedsstaaten wegen des Fehlens von Masken und anderer Ausrüstung angespannt. Bis Ende Februar gab es in ganz Italien mehr als 1.000 Coronavirus-Fälle, und es brauchte mehr Schutzausrüstung – insbesondere Masken. Ungefähr zu dieser Zeit sagte mir ein Gesetzgeber in der italienischen Koalitionsregierung, dass Frankreich und Deutschland nationale Gesetze implementierten, die Masken als strategische Vermögenswerte deklarierten, was bedeutete, dass Masken, die durch diese Länder transportiert wurden und für einen anderen Zweck bestimmt waren, angeeignet werden könnten. Frankreich und Deutschland behielten eine Zeit lang einige Masken, die Italien aus Indien, der Türkei und Vietnam bestellt hatte.

„In diesen dunkelsten Momenten hat China eingegriffen und 200.000 Masken als Geschenk angeboten“, sagte der Gesetzgeber. Ein Flugzeug landete in Rom, trug Masken und Ausrüstung, aber auch traditionelle chinesische Kräuter: eine Übung in der sogenannten „Maskendiplomatie“. Nicht lange danach hoben Frankreich und Deutschland ihre Gesetze zur Beschlagnahme von Masken auf und schickten kostenlose Masken nach Italien. Aber zu diesem Zeitpunkt, so der Gesetzgeber, sei „der Schaden angerichtet“.

Seitdem hat Italien mehr als 20 Millionen Masken aus China gekauft, aber China ist Experte darin, diese Verkäufe als Erweiterung seines Wohlwollens zu prognostizieren. Die chinesische Regierung kauft jetzt ganze Zeitungsseiten für Advertorials, die ihre Hilfe für Italien loben. Nach unserem Gespräch schickte mir der Gesetzgeber eine Meinungsumfrage eines italienischen Thinktanks, in der 52 % der Befragten China als Italiens besten Freund nannten. „Schauen Sie sich die Liste der Feinde an“, schrieb sie. An der Spitze: Deutschland mit 45% und dann Frankreich mit 38%.

„Es ist alarmierend“, sagte sie, „wie die Öffentlichkeit nicht sieht, dass die europäischen Institutionen tatsächlich viel für Italien tun.“ Deutschland reservierte Dutzende Intensivbetten für Italiener, flog sie zur Behandlung ein und lieferte Beatmungsgeräte an italienische Krankenhäuser, Frankreich schickte Hunderttausende Schutzanzüge. Doch Chinas Maskendiplomatie hat ein vor Jahren bei Italiens Populisten geschürtes Misstrauen gegenüber der EU geschürt. Der Gesetzgeber klang mutlos. „Ich wünschte, ich könnte sagen, dass diese Maskendiplomatie nicht sehr gut funktioniert. Aber es ist leider so.“

Was auch immer die neue Normalität nach dieser Pandemie ist, in einem waren sich alle, mit denen ich gesprochen habe, einig: Es wird Masken geben. Viele, viele Masken. Sie werden bei Fluggesellschaften verteilt und in Hotels neben der Kasse gestapelt, bei Boots werden sie praktisch in jedem Haushalt in Sockenschubladen und Wäscheschränken verstaut. Jedes Land wird seine eigenen Vorräte produzieren und bevorraten, will sich nicht mehr auf die Launen des internationalen Marktes verlassen Deutschland, immer vor der Kurve, hat bereits begonnen.

Wir haben bereits vor der Pandemie vermutet, dass eine Version unserer Zukunft für Milliarden von uns Masken beinhalten würde. Es ist die Version, in der wir weiterhin Kohlenstoff verbrennen, unsere Luft verschmutzen und die globale Erwärmung so stark verschlimmern, dass unser Land immer wieder in Flammen aufgeht. Aber das fühlte sich immer noch weit genug an, um einigermaßen vermeidbar zu sein. Wir könnten hoffen, dass die Länder, egal wie langsam oder unfachmännisch, ihre Kräfte bündeln würden, um dies zu stoppen. Jetzt jedoch ist das Zeitalter der Masken früher als erwartet gekommen, ausgelöst durch eine ganz andere Bedrohung. Und die Art seiner Ankunft birgt eine Warnung: dass die Solidarität, die zur Bekämpfung des Klimawandels erforderlich ist, in der Welt, wie sie ist, möglicherweise unmöglich zu gewährleisten ist und dass die Zukunft des rauchigen Himmels und der steigenden Meere die einzige ist, die vor uns liegt .

Die Maskenmaschine von Ovidiu Olea kam am dritten Montag im April aus China an. Sie kann 50 Masken pro Minute schneiden und säumen. Sie hat keinerlei Hülle, sodass ein Zuschauer ihr Inneres beobachten kann, während Polypropylenblätter durch die automatischen Walzen und Schneidemaschinen der Maschine laufen. „Es braucht nur zwei Personen – eine zum Laden des Materials und eine, um bei Bedarf den Not-Aus-Knopf zu drücken“, sagt Olea. Er hat einen Platz in einer ehemaligen Abfüllanlage gemietet, aber er hat noch nicht mit der Produktion begonnen. Er will medizinische Ausrüstung herstellen und muss dafür einen Reinraum und Sterilisationsanlagen einrichten. Läuft alles nach Plan, laufen im Hochsommer seine ersten Masken vom Band.

Wegen der Verspätung machte er sich keine Sorgen. So seltsam die Umstände auch waren, die Olea als Maskenhersteller ausmachten, er bereitete sich dennoch darauf vor, sich auf absehbare Zeit in die Rolle einzuleben. Er glaubte nicht, dass Covid-19 so schnell verschwinden würde. „Ich denke, es wird am Ende eine Art saisonale Krankheit sein – wie die Grippe, aber mit härteren Folgen“, sagte er. „Und diese Krankheit hat die Einstellung zum Tragen von Masken verändert. Früher kicherten die Menschen in Italien beim Anblick chinesischer Touristen, die mit Masken herumliefen. Jetzt gibt es nicht mehr viele Gekicher.“

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Bemerkungen:

  1. Faet

    Ich entschuldige mich für die Störung ... Ich verstehe dieses Problem. Sie können diskutieren.

  2. Leone

    Ich denke, dass Sie einen Fehler begehen. Ich kann es beweisen.

  3. Culann

    Wie heißt der Satz ...

  4. Ixion

    Meiner Meinung nach irren Sie sich. Schreib mir per PN.



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